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Masacre: ven y mira. Una butaca con vistas al horror 22 marzo, 2013

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Resulta curioso que una película encargada por un gobierno totalitario, como fue el de la URSS, sea uno de los relatos más realistas y sobrecogedores sobre la ocupación nazi. Esa película es Masacre: ven y mira, adjudicada a la dirección de Elem Klimov para conmemorar en 1985 el 40 aniversario de la derrota nazi en la Segunda Guerra Mundial.

Klimov, coautor también del guión, centra su obra conmemorativa en la visión y la experiencia que tiene un niño ante el asolamiento y represión que aplicaron las tropas nazis sobre las aldeas bielorrusas. Exterminación pura y dura, donde la prioridad es matar a los niños y jóvenes, porque constituían los enemigos del mañana. Espeluznante.

Bajo una realización al servicio de la mirada del niño protagonista y una asfixiante y cuidada dirección de fotografía, la película cumple con su invitación presente en el título original Idi i Smotri, ven y mira. Ven y mira el horror, te siento en la butaca y te invito. Siéntate en una butaca con vistas al horror, pero te voy a implicar, no va a ser gratis. Y creed que lo consigue, y lo consigue generando odio al nazismo pero, muy por encima, logra que pensemos más en decir “pobre chaval” que “menudo cabronazo el Hitler ese”.

Fue la última de las cinco películas que dirigió Klimov, los conocidos cambios políticos alejaron de la cámara cinematográfica al que en 1986 fue elegido por sus camaradas realizadores primer secretario de la renovada Unión de Cineastas Soviéticos. Su secretariado posibilitó el lanzamiento tardío de cientos de películas anteriormente prohibidas y la restitución de varios directores que habían caído en desgracia política.

Pero los cambios le dejaron fuera del sistema de producción ruso. En el año 2000, tres años antes de su muerte, declaró resignado: “He perdido el interés en hacer películas. Todo lo que era posible que yo sintiera, ya lo he sentido”. Seguramente acababa de visionar su Masacre: ven y mira.

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Enemigo a las puertas: Cazando nazis 18 junio, 2011

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Esta semana hablamos de la que en el momento de su estreno en 2001 fue la película más cara de la historia del cine europeo: ‘Enemigo a las puertas‘ de Jean-Jacques Annaud. Una película que presentada con este aval no garantizaba la calidad narrativa, aunque seguro que sí la técnica. Una vez vista, presenta ambas.

La historia fílmica está basada en hechos reales y nos transporta a la batalla de Stalingrado acontecida durante de la Segunda Guerra Mundial entre julio de 1942 y febrero de 1943. Destaca la película por la personalización, la individualización del hombre ante el enemigo. Annaud centra su atención en el duelo, con un estilo muy de western, entre dos francotiradores de élite. Nuestro protagonista va a ser el personaje real Vassili Zaitsev,  un joven ruso familiarizado con la caza desde niño y alzado a la categoría de héroe bélico nacional por sus excelentes habilidades con un punto de mira telescópica por medio. Está contrastado que al terminar la batalla de Stalingrado Zaitsev había abatido, él solito, a casi 250 alemanes, muchos de ellos con rango de oficial.

Las hazañas de Zaitsev, al que interpreta Jude Law, no pasan desapercibidas para los servicios de información y propaganda rusa que lo utilizan como reclamo para ensalzar el valor y el sentimiento patriótico entre las desmoralizadas tropas rusas y sembrar el terror entre los oficiales nazis. Joseph Fiennes interpreta a Danilov, el responsable de la propaganda soviética que va a provocar que el Tercer Reich envíe al frente de Stalingrado a uno de sus mejores francotiradores para cazar a Zaitsev, el oficial König, al que da vida fílmica Ed Harris. Y es así como comienza un verdadero duelo estratégico entre francotiradores que se basa en una enorme paciencia y una astucia inusitada. Sublime, cine del bueno.

La trama se adorna con varias subtramas interesantes como son el clásico triángulo amoroso entre Fiennes, Law y una joven miembro de la resistencia soviética de la que ambos se enamoran, Tania, interpretada por Rachel Weisz. La infancia en la guerra y el papel de contraespionaje que ejerce el pequeño ruso Sasha (Gabriel Thomson) que va a establecer relación con ambos francotiradores ofreciendo información y desinformación a diestro y siniestro. Tampoco hay que perderse a Bob Hoskins interpretando a Nikita Krushev, entonces comisario político destinado a Stalingrado. En fin, múltiples son los motivos que me impulsan a añadir esta película a La videoteca, pero el principal es que propone mucho más que pasarse dos horas y cuarto viendo a un francotirador cazando nazis…

La vida es bella: Celebrando el día del Padre 19 marzo, 2011

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Ya que hoy es el día de San José, 19 de marzo, fecha en la que se celebra en España el día del Padre, aunque también en otros países como Portugal, Andorra, Bolivia, Honduras, y también en Italia, país de producción de la película que nos ocupa hoy: La vida es bella de Roberto Benigni. Producida en 1997, es el filme que consagraría internacionalmente a este actor, guionista y director italiano. Gracias a la interpretación del protagonista de la historia, Guido, Benigni obtendría el Oscar al mejor Actor y el BAFTA entre otros. La película sería múltiplemente galardonada con: el Oscar a la mejor película de habla no inglesa; mejor película y actor en los Premios del Cine Europeo; el Gran Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes; mejor película europea en los Goya y en los César; 9 premios David de Donatello de la Academia de Italia; y muchos más…

¿Por qué hablar de esta película en este día? Pues porque Guido es un padre ejemplar. Al estallar la 2ª Guerra Mundial él, su mujer (Nicoletta Braschi) y su hijo (Giorgio Cantarini) serán capturados y llevados a un campo de exterminio nazi. Toda la preocupación de Guido pasará por conservar para su pequeño la idea de que todo lo que allí les sucede es sólo parte de un juego. Todo un padrazo.

Durísima y conmovedora trama con el drama humano del exterminio nazi de fondo pero tratada con una conmovedora comicidad y sensibilidad que la convierten en una de las mejores películas de la década de los 90 y, por lo tanto, de la Historia del Cine. Seguramente casi todas y todos la habréis visto y os habréis emocionado con ella, por ello La Videoteca celebra con Guido el día del Padre.

Aprovecho para recomendar otros posts anteriores sobre películas en las que también aparecen relaciones entre padres e hijos que merecen un homenaje: Ladrón de bicicletas de Vittorio de Sica; Camino a la perdición de Sam Mendes; El infierno del odio de Akira Kurosawa. Ahí tenéis para entreteneros, hasta la próxima semana.

Hiroshima, mon amour: Poesía cinematográfica 13 noviembre, 2010

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Nos ocupa hoy el primer largometraje de ficción del cineasta francés Alain Resnais. Un director que se encuadra dentro del movimiento de la Nouvelle vague, junto a otros directores de los que ya hemos añadido alguna película a esta Videoteca como Truffaut o Godard.

Tristemente muchos años he tenido en cola  esta particular visión sobre Hiroshima, ciudad japonesa fatalmente famosa por el ataque mediante bomba atómica que sufrió en agosto de 1945. La película es densa, lenta, a veces incluso cargante, pero es sobrecogedoramente poética, no sólo por el uso de las palabras escritas en el guión que salió de la mente de Marguerite Duras, sino porque Resnais las subraya con un tratamiento de la imagen y del montaje que tras su visionado comprobaremos cómo ha influido en la evolución del lenguaje cinematográfico.

Al ver la película irremediablemente reflexionaremos sobre la dualidad de las cosas que la vida nos pone en el camino. Ya que la historia se abastece de una relación romántico-sexual que surge entre un nipón y una actriz francesa, en sus últimos días de estancia en Hiroshima por un rodaje, para narrarnos la experiencia pasada de los personajes centrada en dos temáticas. Un inicial recuerdo de cómo eran sus vidas cuando estalló la bomba en la ciudad y cómo lo vivieron, una en Francia y el otro en el frente de la Segunda Guerra Mundial. Y en segundo lugar, el recuerdo de un amor pasado e imposible de una entonces jovencita de Nevers, en cierta manera, muy similar al que vive en Hiroshima.

La narración era, en cierta manera, realmente renovadora. La historia se construye a través del recuerdo de los personajes dando lugar a un montaje bastante abrupto que no deja indiferente. La profundidad que adquiere el romance entre los personajes no es que sea superficial, pero se queda muy corta tras la profunda metáfora que contiene la excusa del affaire en sí mismo para hablarnos de la lente bipolar con la que miramos el mundo.

Mención especial merece, a mi modo de ver, la primera secuencia de la película en la que conviven perfectamente la ficción y el registro documental del sanguinario ataque. Sólo por este impecable inicio la película ya merece que le dedique esta entrada en el blog. Una secuencia magistralmente concisa que me hace calificar el film como poesía cinematográfica, o lo que es lo mismo, como cine poético.

La delgada línea roja: El límite entre la vida y la muerte 5 junio, 2010

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Resulta que el cine bélico es uno de los géneros clásicos que el séptimo arte ha adoptado para ahombrar una multitud de producciones al calibre de obra maestra. ¿Quién no  recuerda a bote pronto al menos cinco títulos de películas bélicas de extrema calidad? Lo intento: El día más largo, Apocalypse Now, Platoon, El puente sobre el río Kwai o La chaqueta metálica, usted podría continuar con cientos de títulos más. Los más grandes directores han filmado y firmado al menos una obra del género, obras sobre la I Guerra Mundial; la Segunda, también; como no, Vietnam; guerras con todo tipo de contendientes, ubicaciones geográficas y armas; guerras con un único color, el rojo de la sangre. Ese color, el rojo, es el adjetivo con el que James Jones calificó su experiencia en la II Guerra Mundial, donde combatió en la isla de Guadalcanal, cuando la plasmó en una novela llamada La delgada línea roja. Una novela que hasta la fecha ha tenido dos adaptaciones cinematográficas: la primera dirigida por Andrew Morton en 1964, que se distribuyó en España con el título El ataque duró siete días; y, una segunda adaptación de 1998 del atípico y maniático cineasta americano Terrence Malick, que en más de treinta y cinco años de trayectoria sólo ha rodado cuatro films (más uno en camino), eso sí, La delgada línea roja le llevó quince años de intenso pero sosegado trabajo para obtener una película impecable, íntima y personal. Tan impecable que sólo hay que conocer la meticulosidad del director y ver el impresionante reparto con el que cuenta, con actores como Sean Penn, Jim Caviezel, Nick Nolte, Woody Harrelson, John Cusack, George Clooney o Ben Chaplin. Tan íntima que la acción se desarrolla en una isla virgen dónde el hombre lleva los males del mundo civilizado, corrompiendo la más pura naturaleza. Tan personal como el recorrido por la condición humana que significa el caminar hacia la muerte, y saber que el límite entre vida y muerte pende de una delgada línea roja. Un canto antibélico magníficamente orquestado.

En 1998, La delgada línea roja me hizo estremecer por su antibelicismo mostrando la guerra. Hoy el belicismo está en los telediarios, y me hace temblar porque empiezo a ver que la línea roja se va estrechando, que los acuerdos no llegan, que el límite está cercano. Pero como hay que buscar el lado positivo de las cosas, esto al cine le viene bien, en unos años las pelis de las guerras mundiales y del Vietnam han pasado a la historia, ahora las que ganan Oscars son las de la guerra de Irak, y los ganarán las de las guerras que vendrán. Pero ¿quién sabe?, a lo mejor, no vivimos para verlas. Hoy más que nunca: NO A LA GUERRA.

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