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La escafandra y la mariposa: Encerrado en uno mismo 6 abril, 2013

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca, Vida.
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El polifacético artista plástico neoyorquino Julian Schnabel firmó en 2007 una de las películas que más me ha impactado en los últimos años. La escafandra y la mariposa es la adaptación al cine de la novela homónima de Jean Dominique Bauby, redactor jefe de la revista Elle hasta que un accidente de coche lo dejara totalmente inmóvil, sólo podía mover los párpados de un ojo. Bauby lograría escribir la novela gracias a que aprendió a comunicarse mediante este único ojo con una enfermera que transcribió letra a letra lo que Bauby le dictaba.

La película es impactante en sí misma porque narra una historia real que me provoca una increíble admiración, e incluso identificación. Salvando las distancias, por desgracia conozco bien los problemas de comunicación que provocan los daños cerebrales, precisamente cuando vi la película estaba en proceso de aceptar y comenzar a construir una nueva relación con mi madre, víctima de un derrame cerebral que mermó completamente su capacidad de hablar, aunque no de comunicar. En cierta manera, veía en el personaje de Mathieu Amalric, en el Dominique Bauby real, a un calco exageradísimo de cómo se puede sentir mi madre, y de cómo me sentía yo cuando aprendía a posibilitar la comunicación con ella, al menos entre nosotros. La sensación era de impotencia total. Hoy nuestra relación de comunicación es bastante fluida, la aceptación y el empeño por comunicarte elimina las barreras, desde luego, no sin mucho trabajo, y mucha voluntad.

Fue una película multipremiada: ganadora de 2 Globos de Oro (película y director), del BAFTA al mejor guión adaptado y merecedora de 4 nominaciones al Oscar (director, guión adaptado, fotografía y montaje). La película también significó la Palma de Oro del Festival de Cannes al mejor director para Julian Schnabel que tiene un sobresaliente manejo de un reparto que está muy a la altura de las circunstancias con intérpretes como Emmanuelle Seigner, Marie-Josée Croze, Anne Consigny, Patrick Chesnais, Niels Arestrup o Max von Sydow. La apabullante forma que tiene el pintor cineasta de narrar esta historia es lo que la convierte en una de las mejores películas de lo que va de siglo. Y te anima a pensar que es posible  que, en un severo encierro interior, una mariposa encuentre una rendija por la que escapar de la oxidada escafandra que la encierra.

Masacre: ven y mira. Una butaca con vistas al horror 22 marzo, 2013

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Resulta curioso que una película encargada por un gobierno totalitario, como fue el de la URSS, sea uno de los relatos más realistas y sobrecogedores sobre la ocupación nazi. Esa película es Masacre: ven y mira, adjudicada a la dirección de Elem Klimov para conmemorar en 1985 el 40 aniversario de la derrota nazi en la Segunda Guerra Mundial.

Klimov, coautor también del guión, centra su obra conmemorativa en la visión y la experiencia que tiene un niño ante el asolamiento y represión que aplicaron las tropas nazis sobre las aldeas bielorrusas. Exterminación pura y dura, donde la prioridad es matar a los niños y jóvenes, porque constituían los enemigos del mañana. Espeluznante.

Bajo una realización al servicio de la mirada del niño protagonista y una asfixiante y cuidada dirección de fotografía, la película cumple con su invitación presente en el título original Idi i Smotri, ven y mira. Ven y mira el horror, te siento en la butaca y te invito. Siéntate en una butaca con vistas al horror, pero te voy a implicar, no va a ser gratis. Y creed que lo consigue, y lo consigue generando odio al nazismo pero, muy por encima, logra que pensemos más en decir “pobre chaval” que “menudo cabronazo el Hitler ese”.

Fue la última de las cinco películas que dirigió Klimov, los conocidos cambios políticos alejaron de la cámara cinematográfica al que en 1986 fue elegido por sus camaradas realizadores primer secretario de la renovada Unión de Cineastas Soviéticos. Su secretariado posibilitó el lanzamiento tardío de cientos de películas anteriormente prohibidas y la restitución de varios directores que habían caído en desgracia política.

Pero los cambios le dejaron fuera del sistema de producción ruso. En el año 2000, tres años antes de su muerte, declaró resignado: “He perdido el interés en hacer películas. Todo lo que era posible que yo sintiera, ya lo he sentido”. Seguramente acababa de visionar su Masacre: ven y mira.

Amarcord: Recuerdos de la vida rural 19 enero, 2013

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Federico Fellini, antes de convertirse en uno de los estandartes del neorrealismo italiano y en uno de los directores de cine más reconocidos y recordados de la historia del séptimo arte, fue un hombre de pueblo, más bien un niño y joven rural, señalado por el hecho de haber nacido y haberse criado en una pequeña población de la Italia fascista en los años 30. Amarcord (traducido Mis recuerdos) hubiera sido una película improbable de no haber sido por las propias vivencias del realizador italiano en la localidad de Rimini, sobre la que se inspira para ambientar su película en la imaginaria ciudad de Borgo.

Fellini recuerda y revisita de forma autobiográfica su infancia y adolescencia con esta película rodada en 1973. De hecho su yo cinematográfico se puede identificar con el niño Titta, interpretado por Bruno Zanin. Amarcord es un sorbo cómico de lo que es la vida rural en la que aparecen algunos personajes arquetípicos de pueblo (y también de ciudad) de los que no hablaremos para no desmenuzar el perfil por el que se nos presentan los personajes que teje un Fellini que mantiene sus obsesiones siempre presentes, entre ellas, el sexo.

Personalmente me sugiere un retrato bastante fiel de lo que es la sociedad italiana rural. Hace un par de veranos visité Sicilia y las costumbres que aparecen en la película perviven en la actualidad. Por ejemplo, las esquelas se siguen publicando en carteles que se pegan en las esquinas más visitadas del pueblo. El humor en la película es bastante importante, el ingrediente imprescindible para mirar al pasado con una ironía mordaz que roza el esperpento, de hecho entre los intérpretes que encarnan a los amigos de la infancia de Fellini se encuentra Alvaro Vitali que se convertiría, años después, en el eterno niño grande Pierino, más conocido en España como Jaimito. Un mito de la comedia italiana que convivió con el destape español.

La película obtuvo reconocimiento internacional con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa y las nominaciones al mejor director y mejor guión original en 1975. Por ello, y por el buen rato que te hace pasar, aunque quizás peque de excesivo metraje, merece estar en nuestra Videoteca.

El árbol de la vida: Recorriendo caminos inescrutables 16 octubre, 2011

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Hace ya varias semanas que tuve ocasión de contemplar esta obra maestra del genio poco prolífico Terrence Malick. Sin embargo, el exceso de trabajo primero y, en segundo lugar, la pereza que produce la salida a la luz cuando has estado un verano sin contemplarla me obligaron a pausar la actividad del blog. Hoy vuelvo, para intentar no marcharme. Pretendo recuperar mi actividad bloguera ahora que ya ha comenzado de nuevo la temporada cinematográfica de calidad. Poco a poco iremos volviendo a la normalidad y recuperaremos la sección semanal La Videoteca en la que incluimos, desde ya, ‘El árbol de la vida’.

Una película diferente, única. No pretendo reventarla, pero la verdad es que no sé si hablar de lo que pasó en la sala de cine o de la película. Nunca antes viví en un cine la experiencia de aquel sábado por la tarde. Señoras preguntando si el proyeccionista se había equivocado de película, gente riéndose de la película, gente protestando, gente protestando a los que protestaban, yo el primero. Le dije a una señora que si no le interesaba la película, la puerta estaba abierta… No me suelo meter en este tipo de ‘fregaos’, pero la ocasión lo merecía, pagué entrada como ella y como el resto de la sala. Si compras una prenda de vestir que no es de tu estilo o de tu talla, lo más probable es que intentes cambiarla o que simplemente no te la pongas, lo entiendo. Pero no le das el coñazo al resto de clientes de la tienda, ¿no? El cine existe para entretener a todas/os, por eso la cartelera es variada, sólo es necesario previamente que te informes de cuál es la oferta para encontrar tu talla adecuada o tu color preferido.

Pero volvamos a la película. Para no reventarla sólo diré que nos encontraremos a Brad Pitt, Jessica Chastain, Hunter McCracken, Sean Penn como intérpretes principales que interpretan a una familia que irá asumiendo a lo largo de los años los dramas que les plantea la vida, infiriendo en cómo nos hacen relacionarnos con los seres queridos y cómo nos influimos de forma determinante por nuestras actitudes, actos y ocupaciones. Una reflexión sobre la vida desde las raíces a la copa del árbol, hasta la última hoja caduca…

Intimista, existencialista y poética con un poderío visual inconmensurable que al huir de los cánones de la narrativa audiovisual camina sobre la delgada línea roja que separa la percepción del público recorriendo caminos inescrutables. La odiarás o la amarás, no hay término medio. Hay que verla porque es, ya, historia del cine.

Consejos: informarse antes de qué vais a ver (no es la última de Brad Pitt). No ir al cine en horas concurridas. Agitar cerebro antes de visionar…

Match point: La vida soñada de la burguesía londinense 2 julio, 2011

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Obra maestra de Woody Allen la que añadimos hoy a esta Videoteca. El prolífico director neoyorquino nos ofrecía en 2005 esta magnífica película, la primera de las que rodó totalmente fuera de Nueva York. Rodó Match Point durante siete semanas en Londres.

La película tuvo una acogida excepcional entre la crítica y el público. Consiguió una nominación al Oscar por su guión original, 4 nominaciones al Globo de Oro (incluyendo película dramática y director), las nominaciones al César y al David de Donatello a la mejor película europea, logrando el Goya a la mejor película europea.

El inimitable cineasta neoyorquino nos traslada esta vez al centro de la alta sociedad londinense para contarnos cómo un joven Jonathan Rhys Meyers, que interpreta a un monitor de tenis, hace todo lo que está en su mano para ascender y mejorar su posición en esa sociedad de alto copete. Y cuando decimos todo lo que está en su mano, queremos decir literalmente a cualquier precio. Mentir, seducir, y otros delitos y faltas están justificados para llegar al fin que este despiadado joven se ha propuesto.

Como siempre en los repartos de las películas de Woody Allen, el elenco de actores y actrices están a un nivel soberbio. Acompañan a Rhys Meyers: Scarlett Johansson, Emily Mortimer, Matthew Goode, Brian Cox y Penelope Wilton. Todos ellos estupendos para hilar una película sobre la pasión, la ambición y el juego de caballeros que es el tenis contrastado con el juego sucio para optar a la vida soñada de la burguesía londinense.

Enemigo a las puertas: Cazando nazis 18 junio, 2011

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Esta semana hablamos de la que en el momento de su estreno en 2001 fue la película más cara de la historia del cine europeo: ‘Enemigo a las puertas‘ de Jean-Jacques Annaud. Una película que presentada con este aval no garantizaba la calidad narrativa, aunque seguro que sí la técnica. Una vez vista, presenta ambas.

La historia fílmica está basada en hechos reales y nos transporta a la batalla de Stalingrado acontecida durante de la Segunda Guerra Mundial entre julio de 1942 y febrero de 1943. Destaca la película por la personalización, la individualización del hombre ante el enemigo. Annaud centra su atención en el duelo, con un estilo muy de western, entre dos francotiradores de élite. Nuestro protagonista va a ser el personaje real Vassili Zaitsev,  un joven ruso familiarizado con la caza desde niño y alzado a la categoría de héroe bélico nacional por sus excelentes habilidades con un punto de mira telescópica por medio. Está contrastado que al terminar la batalla de Stalingrado Zaitsev había abatido, él solito, a casi 250 alemanes, muchos de ellos con rango de oficial.

Las hazañas de Zaitsev, al que interpreta Jude Law, no pasan desapercibidas para los servicios de información y propaganda rusa que lo utilizan como reclamo para ensalzar el valor y el sentimiento patriótico entre las desmoralizadas tropas rusas y sembrar el terror entre los oficiales nazis. Joseph Fiennes interpreta a Danilov, el responsable de la propaganda soviética que va a provocar que el Tercer Reich envíe al frente de Stalingrado a uno de sus mejores francotiradores para cazar a Zaitsev, el oficial König, al que da vida fílmica Ed Harris. Y es así como comienza un verdadero duelo estratégico entre francotiradores que se basa en una enorme paciencia y una astucia inusitada. Sublime, cine del bueno.

La trama se adorna con varias subtramas interesantes como son el clásico triángulo amoroso entre Fiennes, Law y una joven miembro de la resistencia soviética de la que ambos se enamoran, Tania, interpretada por Rachel Weisz. La infancia en la guerra y el papel de contraespionaje que ejerce el pequeño ruso Sasha (Gabriel Thomson) que va a establecer relación con ambos francotiradores ofreciendo información y desinformación a diestro y siniestro. Tampoco hay que perderse a Bob Hoskins interpretando a Nikita Krushev, entonces comisario político destinado a Stalingrado. En fin, múltiples son los motivos que me impulsan a añadir esta película a La videoteca, pero el principal es que propone mucho más que pasarse dos horas y cuarto viendo a un francotirador cazando nazis…

Lost in translation: Confusiones por abandono de la vida rutinaria 11 junio, 2011

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Esta semana añadimos a La videoteca un filme de 2003 que supuso la consagración de Sofia Coppola como guionista y directora de cine. La hija del maestro Francis Ford Coppola consiguió convertirse, gracias a esta película, en la primera mujer nominada al Oscar a la mejor dirección, aunque no lo obtuvo. De las 4 nominaciones de la película (película, director, guión original y actor principal) la joven Coppola logró el que distingue a su guión. El filme sería laureado con 3 Globos de Oro (película de comedia, actor y guión); 3 BAFTA (actor, actriz y montaje); 2 Premios del Círculo de Críticos de Nueva York (director y actor); el  Premio Especial National Board of Review, y el César y el David de Donatello a la mejor película extranjera. Un curriculum impresionante que viene avalado por los premios y que además, en esta ocasión, son bien merecidos.

Pero una película no es sólo su curriculum, todos sabemos que hay muchas que los merecieron y no los consiguieron y otras que los consiguieron y no los merecieron. La historia de los premios está llena de sonoras injusticias, y quizás no sea el momento de tratarlas. Por eso dejemos el tema a un lado y vayamos ahora con la historia que nos propone Sofia Coppola. Básicamente la realizadora nos va a hacer compañeros de dos personas que se conocen mientras pasan unos días en Tokio por separado y por distintos motivos. Esos personajes son interpretados por Bill Murray y Scarlett Johansson. Murray encarna a un actor norteamericano que va a rodar un spot de un whisky japonés y entre las jornadas de rodaje pasa el tiempo redundando en su crisis de identidad y ahogando las penas en el bar del hotel. Mientras, Johansson se aburre tremendamente en el hotel mientras acompaña a su marido (Giovanni Ribisi) que ha viajado a Tokio para realizar un reportaje fotográfico.

Enamora su narración porque mantiene el equilibrio del relato con una dosis de cierto humor enquistado en lo que es una auténtica oda a la melancolía, las vidas gastadas, la soledad en el mundo y, por supuesto, un bonito documento sobre Tokio, su vida nocturna y sus costumbres. Pero sobretodo enamora porque abre caminos hacia la esperanza de que, a veces, las pequeñas coincidencias pueden cambiarnos la vida. Aunque es posible que sólo sean producto de una confusión por el abandono temporal de nuestras vidas rutinarias…

El mismo amor, la misma lluvia: Cómo hacer una comedia sobre la pérdida de identidad 28 mayo, 2011

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Tras la gran acogida que tuvo en 2001 la exitosa película del argentino Juan José Campanella, El hijo de la novia, nominada al Oscar a mejor película de habla no inglesa en aquel año. Los distribuidores decidieron estrenar su anterior película en las salas españolas, El mismo amor, la misma lluvia, producida en 1999 y que no había llegado a nuestro país. Ocho años después, como ya comentamos en otro post sobre El secreto de sus ojos, Campanella conseguiría dicho Oscar.

El mismo amor, la misma lluvia es una comedia romántica protagonizada por los argentinos Ricardo Darín, Soledad Villamil y Eduardo Blanco. Dotada de un humor ejemplarmente suspicaz e irónico, narra la evolución en la vida de un escritor de éxito que tras haber perdido la oportunidad de embarcarse en el negocio europeo a finales de los 70. La pérdida de esta ocasión le obliga a ganarse la vida como colaborador escribiendo relatos literarios para una revista. La película es un viaje por la evolución política de Argentina desde finales de los años 70 hasta la década de los 90 y su consecuencia social a través de las vivencias de este personaje que no encuentra su sitio, ni laboral ni sentimental. El filme vuelve a incidir, como nos tiene acostumbrados el cine argentino, en la pérdida de identidad y la consecuente búsqueda de valores con los que rellenar unas vidas condicionadas por el sistema. Unas vidas que, además, no son capaces ni de encontrar una pareja estable con la que afrontar la soledad.

El mismo amor, la misma lluvia es una película redonda que goza de unas interpretaciones magníficas y que resulta más que una buena elección para añadir a esta Videoteca porque es una comedia con mucho fondo, es una buena película.

Soñadores (Dreamers): En este mayo español recordamos el mayo francés 21 mayo, 2011

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La verdad es que la película que pega añadir hoy a esta Videoteca es una que tenga el mayo francés de fondo para corresponder educadamente con la que tenemos organizada en las calles en estas jornadas preelectorales gracias al movimiento ciudadano Democracia Real Ya, o Toma la plaza, o Indignados… La verdad es que da igual como lo llamemos, para los amantes de las fechas será un 15-M. Todos sabéis de qué os hablo, algo grande se masca ahí fuera. Hemos explotado y, lo mejor, pacíficamente.

Por ello, elijo hablar de esta película con la que Bernardo Bertolucci nos sedujo en 2003. Y digo que nos sedujo porque el filme tiene una carga erótica bastante profunda gracias al triángulo protagonista. Dos hermanos ‘siameses’ franceses, interpretados por Eva Green y Louis Garrel, que viven aislados y obsesionados por el cine y sus juegos infantiles acogen en su casa a un estudiante americano de intercambio, Michael Pitt. Los tres jóvenes viven en su mundo interior y se mantienen, en cierta manera, al margen de las protestas del Mayo del 68 en París.

A destacar las interpretaciones de los protagonistas y agradecer a Bertolucci el descubrimiento de Eva Green,  bella como pocas y sublime en el filme. Impresionante la secuencia inicial de créditos con un vertiginoso descenso de la Torre Eiffel  en travelling vertical digital para encontrar a sus pies al que será uno de los protagonistas de la historia.

Pero Soñadores no es una película sobre la revolución. Es, más bien, una película sobre la cinefilia, los traumas y las obsesiones juveniles y familiares. El fiel reflejo de una juventud burguesa que vive en una película eterna de desencanto con su papel en el mundo, mientras son otros los que claman por el cambio en la calle. Hasta que en un mayo francés despiertan, tal y como está sucediendo en este mayo español…

El hundimiento: El fin de un déspota descerebrado 30 abril, 2011

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Hoy 30 de abril celebramos, y recalco celebramos, el 66º aniversario de la muerte de uno de los mayores déspotas, tirano descerebrado, que ha parido la humanidad. Un día como hoy de 1945, ante el asedio soviético, Hitler y su esposa Eva Braun se suicidaban en un búnquer de Berlín.

Oliver Hirschbiegel reconstruyó para el cine en 2004 los últimos días del dictador alemán. Un filme que con cierto tono de recreación documental se erige y valida como un probado ejercicio de rigor histórico. El hundimiento es la película que esta semana añadimos a La videoteca. La película estuvo nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa que a la postre acabaría en manos de Alejandro Amenábar por su Mar adentro. Tampoco obtuvo el Goya a la mejor película europea porque topó con un Woody Allen en estado de gracia, Match point se lo arrebató.

La película tiene unos cimientos de factura muy consistentes. Hirschbiegel indudablemente tiene talento, ya lo había demostrado anteriormente con su controvertida El experimento. Pero el acabado perfecto lo otorga un nivel interpretativo del protagonista que roza la excelencia. Bruno Ganz es la viva representación de Hitler. Creo que nadie antes había retratado al dictador como lo hace el actor germano en este trabajo, mientras el realizador trabaja en la humanización de un inhumano.

Quizás ciertamente achacable el exceso de protagonismo del personaje real Traudl Junge, la secretaria de Hitler, con una introducción que roza el esperpento. Destacaría del resto del reparto a Juliane Köhler, en el papel de Eva Braun, que realiza un trabajo sobrio y creíble. Completan el elenco la secretaría Alexandra Maria Lara, Corinna Harfouch, Ulrich Matthes, Heino Ferch, Christian Berkel, Matthias Habich y Thomas Kretschmann.

Poco más que añadir para un filme que sienta cátedra para el abordaje de una recreación histórica y que narra una historia con un curioso final feliz: el fin de un déspota descerebrado.

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