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Match point: La vida soñada de la burguesía londinense 2 julio, 2011

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Obra maestra de Woody Allen la que añadimos hoy a esta Videoteca. El prolífico director neoyorquino nos ofrecía en 2005 esta magnífica película, la primera de las que rodó totalmente fuera de Nueva York. Rodó Match Point durante siete semanas en Londres.

La película tuvo una acogida excepcional entre la crítica y el público. Consiguió una nominación al Oscar por su guión original, 4 nominaciones al Globo de Oro (incluyendo película dramática y director), las nominaciones al César y al David de Donatello a la mejor película europea, logrando el Goya a la mejor película europea.

El inimitable cineasta neoyorquino nos traslada esta vez al centro de la alta sociedad londinense para contarnos cómo un joven Jonathan Rhys Meyers, que interpreta a un monitor de tenis, hace todo lo que está en su mano para ascender y mejorar su posición en esa sociedad de alto copete. Y cuando decimos todo lo que está en su mano, queremos decir literalmente a cualquier precio. Mentir, seducir, y otros delitos y faltas están justificados para llegar al fin que este despiadado joven se ha propuesto.

Como siempre en los repartos de las películas de Woody Allen, el elenco de actores y actrices están a un nivel soberbio. Acompañan a Rhys Meyers: Scarlett Johansson, Emily Mortimer, Matthew Goode, Brian Cox y Penelope Wilton. Todos ellos estupendos para hilar una película sobre la pasión, la ambición y el juego de caballeros que es el tenis contrastado con el juego sucio para optar a la vida soñada de la burguesía londinense.

Lost in translation: Confusiones por abandono de la vida rutinaria 11 junio, 2011

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Esta semana añadimos a La videoteca un filme de 2003 que supuso la consagración de Sofia Coppola como guionista y directora de cine. La hija del maestro Francis Ford Coppola consiguió convertirse, gracias a esta película, en la primera mujer nominada al Oscar a la mejor dirección, aunque no lo obtuvo. De las 4 nominaciones de la película (película, director, guión original y actor principal) la joven Coppola logró el que distingue a su guión. El filme sería laureado con 3 Globos de Oro (película de comedia, actor y guión); 3 BAFTA (actor, actriz y montaje); 2 Premios del Círculo de Críticos de Nueva York (director y actor); el  Premio Especial National Board of Review, y el César y el David de Donatello a la mejor película extranjera. Un curriculum impresionante que viene avalado por los premios y que además, en esta ocasión, son bien merecidos.

Pero una película no es sólo su curriculum, todos sabemos que hay muchas que los merecieron y no los consiguieron y otras que los consiguieron y no los merecieron. La historia de los premios está llena de sonoras injusticias, y quizás no sea el momento de tratarlas. Por eso dejemos el tema a un lado y vayamos ahora con la historia que nos propone Sofia Coppola. Básicamente la realizadora nos va a hacer compañeros de dos personas que se conocen mientras pasan unos días en Tokio por separado y por distintos motivos. Esos personajes son interpretados por Bill Murray y Scarlett Johansson. Murray encarna a un actor norteamericano que va a rodar un spot de un whisky japonés y entre las jornadas de rodaje pasa el tiempo redundando en su crisis de identidad y ahogando las penas en el bar del hotel. Mientras, Johansson se aburre tremendamente en el hotel mientras acompaña a su marido (Giovanni Ribisi) que ha viajado a Tokio para realizar un reportaje fotográfico.

Enamora su narración porque mantiene el equilibrio del relato con una dosis de cierto humor enquistado en lo que es una auténtica oda a la melancolía, las vidas gastadas, la soledad en el mundo y, por supuesto, un bonito documento sobre Tokio, su vida nocturna y sus costumbres. Pero sobretodo enamora porque abre caminos hacia la esperanza de que, a veces, las pequeñas coincidencias pueden cambiarnos la vida. Aunque es posible que sólo sean producto de una confusión por el abandono temporal de nuestras vidas rutinarias…

Into the wild (Hacia rutas salvajes): Dan ganas de escapar 9 abril, 2011

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Tras el parón en esta sección por el Festival de Málaga vuelvo a la carga con nuevas energías y propongo para añadir a La videoteca un filme escapista, una de esas películas que provoca que te replantees tu escala de valores y que te motiva para escapar del sistema, para comprender que otro tipo de vida es posible y que hay algunos que han sido capaces de, por lo menos, aislarse del mundo y encontrar modos alternativos de vida. Hablemos entonces de Into the wild (Hacia rutas salvajes) dirigida por Sean Penn en 2007.

Recuerdo esta película con un cariño especial motivado, en primer lugar, por la historia que nos cuenta y, en segundo lugar, por la banda sonora que compusieron para la película Michael Brook, Kaki King y Eddie Vedder, líder de Pearl Jam,  quien además compone e interpreta las canciones de la película. Una de ellas, Guaranteed, le valió un Globo de oro.

La historia, basada en un hecho real, nos sitúa a comienzos de la década de los noventa cuando un joven idealista llamado Christopher McCandless decide abandonar la vida civilizada tras graduarse en Historia y Antropología en la Universidad de Emory. Cambió de nombre, donó todos sus ahorros y abandonó sus pertenencias y posibilidades de una vida social para poner rumbo a Alaska con el objetivo de enfrentarse a la verdadera naturaleza y con la esperanza de descubrir la verdad de su existencia.

Emile Hirsch es el encargado de dar vida de ficción a este personaje cuya interpretación le valdría el reconocimiento de la National Board of Review como mejor actor revelación. Le acompañan en el reparto Marcia Gay Harden, William Hurt, Jena Malone, Brian Dierker, Vince Vaughn, Catherine Keener, Hal Holbrook y Zach Galifianakis, entre otros. La película se basa en la narración del libro homónimo escrito en 1996 por el biógrafo de McCandless, Jon Krakauer, con el que inmortalizó su aventura basándose en el diario que el propio Cristopher escribió durante su insólita peripecia.

No os cuento más, sólo os animo a visionar el filme porque con la que está cayendo dan ganas de escapar aunque sea a Doñana…

El discurso del Rey: Cuando la versión original es imprescindible 5 marzo, 2011

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Cuando escuché por primera vez el título de esta película no pude pensar en otra cosa que en Juan Carlos I y su discurso de Navidad con la foto de la Selección Española sobre la mesita que le acompañaba. No sé el porqué, pero así fue…

Como la película tenía 12 nominaciones al Oscar, y ya había logrado el Globo de Oro para Colin Firth; 7 premios BAFTA y el Goya a la mejor película europea me propuse verla antes de la gala de los Oscars del pasado lunes. Así lo hice, el domingo por la tarde me dediqué a visionarla. Resultaba obvio que tratándose de una película que centra su argumento en un problema del habla de su protagonista, sólo era posible su visionado en versión original. Por mucho que tengamos los mejores dobladores del mundo, ver una película en su idioma o idiomas de rodaje no tiene precio, pero para este tipo de películas el precio es doble. Y el pecado de no hacerlo es venial, al menos. El problema es que en esta nuestra ciudad es casi un milagro poder ver cine en VOS, salvo contadísimas y loables excepciones. Como no era el caso de esta película, ¿qué creéis que tuve que hacer? Pues os lo podéis imaginar…

La película es una oda a la sobriedad fílmica partiendo de un detalle quizás anodino, la tartamudez del Duque de York, segundo en la línea sucesoria a la Corona Británica, y su lucha por vencer esta dificultad que le produce gran inseguridad y que daña su imagen ante el pueblo y ante la propia Familia Real. Colin Firth interpreta a este Duque de York  que se convertiría en el Rey Jorge  VI tras la abdicación de su hermano Eduardo VIII (Guy Pearce). No obstante, el contexto histórico queda en un segundo plano, pues la historia va a fijar su foco narrativo en la relación de Firth con un logopeda de excéntricos métodos que interpreta Geoffrey Rush y que tristemente se quedó sin el Oscar al actor de reparto, pues bien que se lo había ganado.

Colin Firth, tras obtener la estatuilla, ha arremetido contra la censura de la película en EEUU, pues al parecer se han cortado algunas secuencias en las que se decían tacos, no dejarán de ser hipócritas estos americanos… No ha sido la única salida de tono de Firth esta semana, pues también se rumnorea que en la fiesta posterior a la gala olvidó su Oscar en el lavabo, ¿que estaría haciendo y dónde lo pondría?

Añadimos a La videoteca una película sobria, muy correcta por parte del director Tom Hopper, que no va a pasar a la historia por ser la mejor del 2010, pero sí por dos de las mejores interpretaciones de los últimos años, un duelo actoral de los que hacen Historia del Cine.

 

Ladrón de bicicletas: Cuando un robo es mucho más que un robo 12 febrero, 2011

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A casi toda persona alguna vez le han robado algo. Un robo siempre es motivo de lamento, sobretodo porque nos toca en el orgullo ya que muchas veces es producto de un descuido. Pero sobretodo, para las personas honradas, sufrir un robo nos indigna porque robar es algo que nunca haríamos. Pero, ¿qué pasa cuando te roban algo que necesitas para trabajar y esta es la única manera de mantener a tu familia?

Así se plantea la película que añadimos esta semana a La videoteca. Una de las obras cumbre del neorrealismo italiano, dirigida por Vittorio de Sica en 1948 con un guión basado en la novela de Luigi Bartolini. Ladrón de bicicletas es la historia del robo de una bicicleta sufrida por un recién contratado pegador de carteles y de sus consecuencias. Esta excusa es suficiente para que Vittorio de Sica filme un extraordinario retrato realista de la Roma de posguerra y, en cierta manera, de la pobreza en Europa de después de la Segunda Guerra Mundial. Un retrato parecido al que supusieron Las uvas de la ira de John Ford o El pan nuestro de cada día de King Vidor para la Gran Depresión en Estados Unidos.

La película obtuvo en 1949 las distinciones a la mejor película extranjera en los Oscars, los Globos de oro, la National Board of Review, el Círculo de Críticos de Nueva York y los BAFTA. Tremendas me parecen las interpretaciones de Lamberto Maggiorani y el niño Enzo Staiola, que prometía como actor pero que finalmente dedicó su vida a la enseñanza de las matemáticas. El cine se ha perdido un gran intérprete…

Mención aparte merece la impronta realista de la película. Lo cotidiano de la vida romana es retratado de una manera tan convincente que raya la realidad, los amplios planos en exteriores contribuyen a convencer al espectador de que lo que ve no es ficción sino realidad. La producción italiana lejos de Cinecittà debido a su ocupación por los damnificados por la ocupación alemana contribuyó al desarrollo del neorrealismo italiano que había iniciado Luchino Visconti con su Roma, ciudad abierta en 1945. La extrema pobreza, no tan lejos de lo que parecen anunciarnos los derroteros críticos por los que circulamos en 2011, denuncia que un robo puede ser mucho más que un robo.

Ciudad de Dios: Crónicas desde las favelas de Río 8 enero, 2011

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Hemos acabado la primera década del siglo XXI y del tercer milenio después de Cristo. Este es el momento justo para hablar de la que es, desde mi punto de vista, la película más imprescindible de la década que fue bastante madrugadora y nos llegó en 2002: hablaremos de Ciudad de Dios de Fernando Meirelles y Kátia Lund. Una película necesaria por la temática que aborda: se trata de una interpretación de la evolución durante los años 60 y 70 del fenómeno de la delincuencia y la violencia en las favelas de Río de Janeiro desarrollada por el crimen organizado que encuentra en el narcotráfico el modo de subsistencia adecuado para la vida carioca.

Ciudad de Dios es una película prodigiosa, sobretodo por su hilo narrativo que mantiene la tensión en todo momento y que encuentra en el montaje a su mejor aliado. Vemos la vida violenta de las favelas con la excusa de la mirada de un niño que, precisamente va a intentar huir de entrar en la dinámica de delincuencia que le rodea, Buscapé encarnado por el actor Alexandre Rodrigues. Ese niño va a crecer y va a encontrar en la fotografía informativa una manera honrada de ganarse la vida, aunque la noticia gire en torno al tema del que precisamente ha intentado huir toda su vida. La violencia es noticia y en Río de Janeiro quizás sea la única realidad.

Un póker de nominaciones al Oscar (director, fotografía, montaje  y guión adaptado); nominada al Globo de Oro a la mejor película extranjera; mejor película de habla no inglesa para el Círculo de críticos de Nueva York y para el Festival de Toronto. Las nominaciones y los premios, a menudo no son justos, en este caso tampoco, se quedaron cortos. Curiosamente, en una de esas incongruencias de los académicos norteamericanos, la película no fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa, a pesar de que la academia brasileña la eligió como representante. Pero lo que sí es cierto es que la película constituye una revolución, una explosión visual para el cine contemporáneo con el objetivo de retratar veinte años de crónicas desde las favelas de Río.

Espartaco: Otra vez Kubrick 11 diciembre, 2010

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A los que seguís este blog no os sorprenderá en absoluto que una vez más añadamos a nuestra Videoteca otra película de Stanley Kubrick. La tercera si no recuerdo mal tras Lolita y La naranja mecánica. Me apasiona este tipo, jamás hizo una mala película. En 1960 se embarcó en este proyecto, cuyo rodaje ya había sido iniciado por Anthony Mann, que confirmó por primera vez  su capacidad para manejar rodajes colosales. Aunque la relación con el productor y actor principal, Kirk Douglas, no fue nada fácil. La película logró 4 Oscars (actor secundario: Peter Ustinov; fotografía; dirección artística y vestuario) y el Globo de Oro a la mejor película dramática.

La mayoría habréis visto la película como yo hace bastante tiempo, otros incluso la habréis revisado recientemente como me sucedió a mi durante el reciente puente. Este consejo es para los que no la habéis visto: hacedlo ya. La historia de Espartaco, un esclavo que lidera la revuelta de sus pares y que llegó a hacer temblar los cimientos de la Roma en el 73 a.C, es quizás una de las primeras historias documentadas sobre el ansia de libertad y la búsqueda de una sociedad más igualitaria. El filme logra entrar de lleno en una temática que viene a demostrar que la corrupción política y la conspiración es tan antigua como la configuración del hombre como animal político.

La película como producto de entretenimiento del género peplum es rítmica y divertida; como obra cinematográfica que sale de las manos de un director único resulta redonda, épica e impresionante. El reparto es sencillamente colosal encabezado en el papel de Espartaco por Kirk Douglas y flanqueado por Tony Curtis, Laurence Olivier, Peter Ustinov, Charles Laughton, Jean Simmons y John Gavin. El añadido de esta película a nuestra videoteca virtual nos recuerda que una vez más, a pesar de que murió en 1999, otra vez ha sido Kubrick.

Gosford Park: Para yonquis de las historias corales 4 diciembre, 2010

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Los casi 50 años de oficio de Robert Altman avalaron su extraordinaria capacidad creativa. Repartos corales acertadamente seleccionados, un minucioso sistema de trabajo en equipo, y el uso distintivo de múltiples historias, dieron como resultado una carrera plagada de filmes que ya podemos considerar clásicos. En 2001 el director norteamericano fallecido en 2006 cruzó el charco para realizar una coproducción británica, alemana, italiana y americana rodada en Inglaterra. Gosford Park es una historia coral que interpretaron Eileen Atkins, Bob Balaban, Alan Bates, Charles Dance, Kristin Scott Thomas, Stephen Fry, Michael Gambon, Maggie Smith, Emily Watson, Ryan Phillippe y Derek Jacobi (actor al que admiro mucho y que he de decir que una vez tuve el placer de felicitar personalmente durante el Festival de Málaga de Cine Español por un filme que sólo se sostenía por su interpretación: Anastezsi de Miguel Alcantud).

La historia nos sitúa a principios de los años treinta en la Inglaterra aristocrática. Un matrimonio de clase alta reúne a sus amistades en su mansión de la campiña británica, Gosford Park, para organizar una cacería. Allí se darán cita la nobleza inglesa, héroes bélicos y artistas de diversa índole que convivirán con la servidumbre. Todos ellos serán sospechosos de un asesinato.

El filme bebe de la herencia de obras como La regla del juego del maestro francés Jean Renoir, la serie británica Arriba y abajo y el “¿quién lo hizo?” clásico de las novelas de intriga de Agatha Christie y que contiene los códigos característicos de Altman. Los pilares que sostienen el filme son un fluido discurso social de estructura coral; una magnífica puesta en escena que nos introduce de lleno en la sociedad británica de la época; la utilización de diálogos encadenados y una excelente dirección de actores.

Una película que reportó a Altman el Globo de Oro y el BAFTA al mejor director y que fue nominada a 7 Oscars, entre ellos mejor película y director, de los que ganó solamente el Oscar al mejor guión original. Un trabajo cinematográfico que nos remite irremediablemente a seguir pensando que 80 años después de lo expuesto en la película y en cualquier sociedad del mundo el estatus social continúa delimitando mundos paralelos en nuestra realidad, la sociedad contemporánea. Y lo más importante: que la película me recuerda que soy un yonqui de las historias corales.

Infiltrados: Un clásico del cine contemporáneo 20 noviembre, 2010

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El pasado domingo, por esas casualidades del zapping, cuando me disponía a cambiar la vida colectiva del salón por la intimidad de mi cuarto me encontré en TVE con Jack Nicholson de espaldas, envuelto en el humo espeso de un cigarro. En el contraplano no había humo, ni siquiera cigarro. En ese momento sabía que me disponía a revisar una de las películas producidas en los últimos cinco años que más me ha impactado: Infiltrados (The departed) de Martin Scorsese. Ganadora de 4 Oscars en 2006, nada menos que a película, director, guión y montaje; y del Globo de Oro al mejor director entre otros premios menos rimbombantes pero no por ello menos importantes.

La película es desde el punto de vista del espectador desasosegante, genera esa ansiedad provocada por el suspense porque en todo momento sabemos más que los propios personajes. Algo a lo que últimamente no estamos muy acostumbrados ya que parece que respondemos mejor a la sorpresa y al engaño vía metábasis súbita. Nos gustan los giros de guión finales que derrumban la narrativa de los filmes. Casi como en nuestras vidas en las que tristemente esperamos que algo, alguien o la alineación de los astros nos ofrezcan la solución final a nuestros programas narrativos vitales. No queremos vivir con la incertidumbre permanente de saber que lo que va a pasar sucederá inexorablemente pero desconociendo qué y cuándo. Le quitamos salsa a la vida prefiriendo que la bomba estalle sin saber que la teníamos bajo la enagüilla de la mesa camilla. La motivación en la vida está en saber que la bomba está ahí, y que va a estallar en algún momento determinado, pero que lo sabíamos y que esa bomba tenía nombre. Y como teníamos la información y no la obviamos, nuestra vida será mejor, porque conocemos cómo acabará todo. No lo digo yo, Hitchcock decía algo parecido para definir con un ejemplo lo que es el suspense. Nuestra realidad debe amar el suspense, no la sorpresa, para tenerlo todo bajo control en el programa narrativo más bello que es la vida, en el que además somos protagonistas.

Esta reflexión en el fondo lo único que intenta es evitar el fusilamiento del argumento de la película a quién todavía no la haya visto, si queda alguien. Volviendo al filme diré que el reparto es absolutamente extraordinario con Jack Nicholson, Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Mark Wahlberg, Alec Baldwin, Martin Sheen y Vera Farmiga (qué particular belleza la de esta mujer) entre otros. También diré que es imprescindible verla. Y que es un remake de una película producida en Hong Kong en 2002, dirigida por Lau Wai Keung y Alan Mak, titulada Infernal Affairs, título traducido al español como Juego sucio. Y que mi siguiente cometido es ver la semilla oriental del que es ya un clásico del cine contemporáneo.

The shipping news (Atando cabos): Redescubriendo la vida 23 octubre, 2010

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Esta semana recomendamos una película que estuvo nominada a dos globos de oro en 2002 y que vuelve a tocar un tema que me obsesiona últimamente (sólo para el consumo de ficción): la vuelta a las raíces ante la dificultad en la búsqueda del yo interior y ante las circunstancias externas.

El séptimo largometraje del director escandinavo Lasse Hallström está muy en su línea de construcción de historias intimistas rurales como ya hiciera anteriormente en la soberana Las normas de la casa de la sidra. Película esta última que quizás fuera más merecedora de encontrarse en esta Videoteca, pero como por lo menos aquí mando yo, esto es lo que hay de momento. Atando cabos, como se tituló en España, quizás no acabe de ser una película redonda, correcta desde luego que sí. Hallström se rodea en The shipping news de un reparto completísimo encabezado por el entonces recién oscarizado en el 2000 por American Beauty, Kevin Spacey; al que acompañan: Julianne Moore, Cate Blanchett y Judi Dench.

El personaje de Spacey es el de un hombre que trabaja como entintador en un periódico en una gran ciudad, un hombre con la vida arruinada tras un desastroso matrimonio con una mujer vividora que no le amaba pero de la que estaba enamorado. Hasta que un día ella muere, y él decide marcharse a Terranova, la tierra de sus antepasados, con su hija y una tía suya. Allí comenzará a trabajar en el periódico local como periodista, conocerá una bella mujer y atará los cabos sueltos de sus antepasados.

The shipping news es una película cuyo fuerte es la historia y la interpretación de los actores que rayan a una gran altura, una película optimista con un guión dramático con salpicaduras cómicas, incluso de humor negro del bueno. Una historia que reconstruye la vida de un hombre cuando está arruinado. La moraleja: por muy mal que te vaya la vida siempre puedes recuperar la buena suerte, la suerte se busca y de nosotros depende hacerla buena o mala. Siempre podemos reconstruir nuestras vidas. La propuesta de Lasse Hallström, la vuelta a los propios orígenes para conseguirlo, al lugar de dónde quizás nunca debimos irnos. Una buena propuesta para esta larga semana.

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