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Caravaggio: Cruzando la visión historiográfica sobre el artista con el personaje en la película de Derek Jarman 10 febrero, 2013

Posted by Dioni Palacios in Arte, Cine.
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“Todo el arte está en contra de la experiencia vivida. ¿Cómo puedes comparar carne y huesos con aceite y pigmento molido?”.

Así expresa su opinión sobre el arte el personaje de Caravaggio construido en la película que dirigió Derek Jarman sobre el pintor lombardo en 1985 y que le valió el Oso de Plata al Logro individual sobresaliente (por su configuración visual) del Festival de Berlín. Connota esta declaración un autoconcepto del artista como tal, una brecha conceptual entre vida y arte que le otorga ese halo de ser especial, un ser artístico. Aunque estas palabras no dejan de ser una interpretación de una realidad lejana, simples líneas de un guión cinematográfico, que imponen una opinión y un punto de vista sobre el personaje histórico tratado.

Podríamos decir de Caravaggio algo que nos resultará muy familiar: no fue profeta en su tierra, al menos para los que escribieron sobre él, en lo que tuvo mucho que ver el agrio carácter que se le adjudica; sin embargo, queda la herencia no escrita de su reconocido prestigio por ciertos sectores de la alta sociedad; y la creación de los artistas italianos y europeos para los que su obra fue un referente.

No es hasta el siglo XIX, cuando se comienza a valorar a Caravaggio, al menos se le comienza a considerar un referente revolucionario, un carácter contracorriente. Un hombre que reivindicaba su forma, distinta, de entender la pintura, aunque paradójicamente en este siglo no se hicieran apenas referencias a su obra, sólo a sus valores.

El concepto actual de Caravaggio se ha ido fraguando a lo largo del siglo XX, donde se le comienza considerando un agente anticipador de la modernidad, incluso un precursor del fotograma cinematográfico, un hiperrealista recreador de la realidad, un minimalista cazador del instante. Estos conceptos despiertan una ola de interés en el artista que se mantendrá hasta la actualidad, se recupera su obra, se expone y se le contextualiza. Hasta el punto que Caravaggio se convierte en un icono, estandarte de la disidencia, de la homosexualidad, de la diferencia, un simbolista.

La figura de Michelangelo Merisi, como humano y como artista, ha sufrido a lo largo de la historia una evolución en su interpretación: ha sido calificado desde el más absoluto de los rechazos, hasta el más integrador reconocimiento artístico, pasando por la indiferencia ante su obra. Esta es la riqueza que confiere el pensamiento humano, la diversidad de opinión; todo depende del color del cristal con el que se mire. Exactamente nadie posee toda la verdad sobre Caravaggio, ni sobre otro artista, ni sobre nada que se aleje de lo empírico.

Culmino esta reflexión con la pregunta que nos hacía Jarman a través del propio Caravaggio de ficción: “¿Cómo puedes comparar carne y huesos con aceite y pigmento molido?”

“Todo el arte está en contra de la experiencia vivida.”

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Coffee and cigarettes: Mezcla de cafeína y humo 2 enero, 2011

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca, Sociedad.
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Hoy, 2 de enero de 2011, se nos acaba ese inmenso placer que es disfrutar de una buena taza de café acompañada de unas dosis de nicotina. Me parece un día apropiado para añadir a nuestra Videoteca una película cuya razón de ser nace de esta curiosa mezcla que a partir de hoy vamos a tener que ir olvidando en los espacios públicos bajo techo de España. Nuestra película para empezar el año es Coffee and cigarettes de Jim Jarmusch.

Jarmusch no es un cineasta convencional, tremendamente influenciado por el tratamiento de la condición humana y la ruptura normativa que proponía John Cassavetes, se postula como uno de los máximos exponentes del cine independiente made in USA en los últimos 30 años. Su característico estilo minimalista potencia sobretodo el diálogo en sus argumentos múltiples de narrativa fragmentada y su eterna confianza en un grupo particular de actores que incluye la construcción de personajes que interpretan famosos procedentes de otras disciplinas artísticas, especialmente de la música.

Coffee and cigarettes es una recopilación de 11 cortometrajes cuyas temáticas, escenografías y desarrollos giran en torno a una mesa en la que los personajes comparten café y cigarrillos mientras conversan sobre lo cotidiano. Lo cotidiano se convierte en el argumento central de la película, convirtiéndose en un retrato perfecto de la nada. Quizás esto sea lo más achacado a esta película en la que realmente se puede afirmar que no sucede nada, pero se dice mucho.

En el reparto están, entre muchos otros, Roberto Benigni, Steve Buscemi, Cate Blanchett, Bill Murray, Alfred Molina, Iggy Pop, Tom Waits, Jack White, Steven Wright, Steve Coogan, Bill Rice y los raperos GZA y RZA. Sin duda, es una película para ser escuchada, la conversación es su principal arma, por no decir la única, si no fuera por ese ambiente cargado de cafeína y humo que, a partir de hoy, algunos vamos a echar tanto de menos.

Mi vida sin mí: Cosas que hacer cuando sabes que vas a morir 18 diciembre, 2010

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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¿Qué hacer cuando sabes que vas a morir? Una pregunta que tiene una respuesta fácil a priori: vivir. Todo lo demás son circunstancias dentro de la vida. Quizás en el título he formulado mal la pregunta aposta para remover nuestras conciencias porque todas y todos sabemos que vamos a morir. Incluso tú, querido lector o más querida lectora.

Isabel Coixet en 2003 nos sobrecogió con esta película cuyo guión parte de una concreción más ajustada para esta pregunta. Imagino que la Coixet, al replantearse el cuento de Nancy Kinkaid en el que se basó, se preguntó: ¿qué cosas hay que hacer antes de morir cuando sabes que vas a hacerlo en breve porque eres un joven enfermo terminal? Y salió esta magnífica película que desde el título es un canto a la vida aunque hable de la muerte. Una espléndida oda a las vidas fracasadas, en este caso la de Ann, un personaje interpretado por Sarah Polley que desde este momento pasó al top ten de las mejores interpretaciones femeninas que he visto en mi vida. Polley interpreta a una joven de 23 años, casada y con dos hijas a la que le diagnostican un tumor y le pronostican entre dos y tres meses de vida. Su reacción, lejos de hundirse y contarlo a sus familiares es la de ocultárselo e intentar dejar sus vidas encauzadas, así como hacer las cosas que no pudo hacer en su propia vida. Coraje y fuerza de voluntad son los calificativos que se me ocurren para adjudicárselos a este personaje.

La estética de la película es uno de sus puntos fuertes, me encanta esa estética realista con tintes hiperrealistas y esa fotografía tan característica del cine social británico y underground. La película es una coproducción hispano-canadiense en la que me parece acertadísima la elección de rodar en Canadá. Qué rica esa luz que en otros tiempos hubiera dicho “a 220 voltios como en todos lados”.

El reparto lo completan Scott Speedman, Mark Ruffalo, la bellísima española Leonor Watling, Amanda Plummer, Deborah Harry, María de Medeiros y Alfred Molina. El filme consiguió dos Goyas: guión adaptado y por la canción Humans like you de Chop Suey. Nominada a mejor película por la Academia de Cine Europeo y seleccionada para la sección oficial del Festival de Berlín luchando por el Oso de Oro.

Mi vida son mí es una de esas películas que eres incapaz de olvidar. La recuerdas en tus momentos bajos, y también en los altos, porque comprendes que has de vivir todos los días como si fuera el último. Nunca olvidaré que la vi solo (sí yo también, a veces, voy solo al cine) en el tristemente desaparecido América Multicines y que cuando salí tenía la piel de gallina, y que en el camino a casa un yonqui me pedía dinero por las malas y que yo sólo le dije que acababa de ver una película que me había impresionado tanto que me hacía ver la vida de otra manera y que tenía que pensar en ello, que no me molestara, que se fuera al cine a verla… y me siguió durante unos cinco minutos hasta que me sacó el título de la película. A lo mejor le sirvió de algo encontrarse conmigo, tal vez…

Beautiful girls: Vuelta a las raíces para la reflexión 2 octubre, 2010

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Digamos que estoy en una época en la que se han cerrado varias etapas positivas de mi vida tanto en lo profesional y académico como en lo sentimental. Abordo un momento en el que hay que tomar decisiones para redirigir mis pasos, decisiones que por motivos personales he tenido que aplazar unos días ya que he tenido que volver al pueblo donde vive mi familia y aprovecho así para pensar desde la distancia mental que ofrece la separación espacial.

Mientras que al pensar en añadir una película a la Videoteca, a mí no se me ocurre otra cosa que recordar esas películas de búsqueda de identidad, de esos personajes que por algún motivo se fueron de su hogar en busca de expectativas y al cabo de mucho tiempo vuelven para reflexionar, hacer análisis y tomar una decisión sobre cómo encauzar su vida, para mí eso es esta nueva etapa. Y eso es el tema que toca la película que les propongo, Beautiful Girls, un film de 1996 que es el mejor de los cinco dirigidos por el norteamericano Ted Demme, fallecido a principios de 2002  tras sufrir un infarto por consumo de cocaína.

Willy (Timothy Hutton), un pianista sin éxito, vuelve a su casa, un pueblecito de Minessotta, en un cerrado invierno, para decidir si contrae matrimonio con Tracy (Anabeth Gish) una abogada de éxito en Nueva York y si acepta un trabajo de vendedor para lo que tendría que dejar a un lado la música. Allí se va a reencontrar con sus viejos amigos, cuyas vidas no han ido tampoco por el camino que esperaban, sobretodo sentimentalmente. Por un lado Tommy (Matt Dillon) tiene una novia Sharon (Mira Sorvino) a la que es infiel con Darian (Lauren Holly), una ex novia del instituto, casada con otro tipo. Por otro lado, Paul (Michael Rapaport) ha sido abandonado por Jeane, su novia de toda la vida que ahora sale con el carnicero del pueblo. Finalmente, Michael (Noah Emmerich) se ha casado con Sarah y tiene dos hijos, es feliz pero el matrimonio le tiene demasiado atado. Ellos forman parte de una trama coral de viejos conocidos que retrotraen a épocas pasadas, aunque revestidos de una improductiva madurez.

Pero el encuentro más agradable para Willy (y para el espectador) es el que tiene con dos chicas que le van a ayudar a ver el camino que debe tomar. Esas dos chicas son: Andera (Uma Thurman), una enamorada publicista de Chicago que sólo pide a los hombres cuatro palabras, `buenas noches dulce niña`; y Marty, la vecinita de Willy, de trece años, que va a ejercer en la trama de auténtica lolita, personaje que interpreta una jovencísima y guapísima a la vez, Natalie Portman.

Beautiful Girls, con este sencillo planteamiento pero con un entramado argumento y una nostálgica banda sonora se presenta al espectador como el retrato de una generación de treintañeros perdidos y desencantados. Es una invitación a la autoevaluación de la vida, al regreso a las raíces de cada uno para tomar decisiones. Y eso es lo que me apetece hacer en estos días… Les invito.

Clerks: Un cierto sentido del humor 8 agosto, 2010

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Clerks es la ópera prima de Kevin Smith, filmada en blanco y negro y con un presupuesto de solo 25.000 dólares, ganó dos premios en el festival de Cannes, y otro en el más importante festival de cine independiente, Sundance. Estos premios abrían las puertas a presupuestos más amplios a uno de los más prometedores directores alternativos de Hollywood, que ya nos ha dado ocho películas (Clerks, Mallrats, Persiguiendo a Amy, Dogma, Jay y Bob el Silencioso contraatacan, Una chica de Jersey, Clerks 2 y ¿Hacemos una porno?) y esperamos para septiembre en España la que parece presentarse como un producto decepcionante: Vaya par de polis. Con altibajos pero con una marcada forma de escribir y realizar, el sello de Kevin Smith se reconoce a primera vista en todas sus películas, un sinvergüenza del séptimo arte que ha ido de más a menos. Sus películas tienen un hilo común que las une, los personajes, hay varios personajes que aparecen en más de una película, bien directamente o bien referidos, de forma que sus películas resultan mucho más divertidas si se ven todas en orden cronológico.

Pero hablemos de Clerks: el film narra un día en la vida de dos muchachos neoyorquinos que trabajan como cajeros en dos negocios adyacentes, una tienda de 24 horas y un videoclub y que pasan el día lidiando con situaciones que van desde la farsa hasta la tragedia, incluyendo varias que combinan ambos esquemas, y en sus ratos libres, se dedican a conversar sobre la vida en la ciudad, las mujeres, el cine y los deportes.

Smith creó una película brillante, de extremadamente bajo presupuesto, pero con un guión tan innovadoramente mordaz que capturó la aprobación unánime de la crítica y del público. Jason Mewes y el propio Kevin Smith dan vida a los dos personajes que aparecen en todas sus películas y que cumplen el rol de observadores, comentaristas y protagonistas de su quinta película, Jay y Bob el Silencioso, una pareja de cómic más que de cine pero que funcionan arrancando carcajadas a diestro y siniestro, una especie de Zipi y Zape algo creciditos en versión camello-fumeta. Si les va el humor verbal ácido, a veces demasiado atrevido y alocado, y no tienen prejuicios, Clerks es su película.

Trainspotting: Dilemas yonquis 31 julio, 2010

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Un mediodía cualquiera del otoño de 1996, estoy frente al televisor viendo un telediario de una cadena nacional privada. Como todos los días, en aquella ocasión la actualidad informativa se cimentaba en lo mismo de siempre, malas noticias. Hasta que, de repente, una buena: se va a estrenar en España una película británica que ha sembrado la polémica en el Reino Unido, su título Trainspotting. El presentador comenta que la película es una aproximación al mundo del consumo de drogas fuertes que oscila entre la apología y la huida. Y yo corriendo al diccionario de inglés, en aquel momento el que escribe cursaba el primer año de Filología Inglesa, y claro la ignorancia ofende. Sorpresa, trainspotting no tiene traducción literal, digamos que se podría decir que es algo que sólo hacen los británicos, es un hobby que consiste en anotar los números de serie de los trenes que se encuentran en las estaciones de ferrocarril, aburrida vida. Y entonces dices, ¿esto qué coño es? Y llega el viernes y lo primero que haces es ir al cine a ver la dichosa película. Y sales de la proyección y estás en una nube porque acabas de ver una película sobresaliente que dirige Danny Boyle que con esta película llegó a la cima de su carrera, luego bajaría bastante el nivel con Una historia diferente y terminó por ahogarse en La Playa. Aunque antes había dirigido una peli de un humor un tanto oscuro, más bien tirando a negro que estaba bastante bien, Tumba abierta. El renacimiento del realizador llegaría con la sobresaliente 28 días después y la oscarizada Slumdog Millionaire.

Trainspotting es la adaptación al cine de la novela homónima de Irvine Welsh, un escritor escocés que tiene la curiosa manía de escribir sobre lo que conoce de primera mano: las drogas, el sexo, la cerveza, el fútbol, el trapicheo… Sus libros son tan reales que no son algo más que renglones con contenido. Son vidas. Vidas que se han visto atrapadas y buscan huir de un mundo difícil de abandonar. Porque los personajes como el personaje que haría famoso a Ewan McGregor,  Mark Renton, afirman, a ritmo de Iggy Pop, “yo elegí no elegir la vida” porque para ellos la vida no es elegir un empleo, una carrera, una familia o un televisor grande que te cagas… La heroína es el elixir que da la vida, y la quita. Ahora entiendo el título, el que practica el trainspotting no tiene nada mejor que hacer, es su vida. A los personajes de la película les pasa lo mismo, no tienen ni pueden hacer otra cosa, la heroína es su hobby.

Trainspotting es filosofía, porque es uno de los mejores guiones adaptados de la historia, y el libro de Welsh es filosofía torpedera de una vida de dudoso valor, defiende y condena a la vez. Trainspotting es una obra maestra por su dinamismo; por el hiperrealismo en los decorados, vestuario y caracterización de los personajes; y por enlazar a la perfección ironía y patetismo. Si además le unimos una magnífica banda sonora que incluye temas de Iggy Pop, Blur, OMD, New Order, etc… Y unas interpretaciones prodigiosas que lanzarían al estrellato a sus actores principales encabezados por Ewan McGregor, Robert Carlyle, Johnny Lee Miller, Ewen Bremner… Todos fueron reclamados por producciones de altísimo presupuesto, y lo que es mejor, algunas de gran calidad.

Dije antes que Trainspotting es filosofía, y lo reafirmo, ¿alguien podría asegurar que el pensamiento platónico no fuera más que dilemas yonquis en la antigua Grecia?

Kids: Una dosis de realidad no apta para almas sensibles 24 julio, 2010

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Hace pocos días me hicieron una de esas preguntas que te gusta contestar porque te ayudan a recordar algo que has aparcado un tiempo. La pregunta era algo así: ¿qué películas americanas recuerdas como extremadamente realistas? Y recordé la ópera prima del fotógrafo norteamericano Larry Clark, nadie mejor que un fotógrafo para provocar el tremendo choque entre ficción y realidad que presenta Kids. Un documental no habría gozado de tanto realismo.

Kids nos pone durante 24 horas en la fría realidad de un grupo de adolescentes neoyorquinos, lo que supone un profundo viaje por sus problemas y su búsqueda de felicidad en el recurso al sexo, el alcohol y las drogas. Un grupo de chicos y chicas que viven en una cultura propia, alejada de cualquier valor de autoridad referencial, y que salen a las calles, el lugar donde mejor se sienten, para vagar por ellas hablando de sexo y su mecánica; fumando hierba; y realizando todo tipo de gamberradas, en un camino hacia la autodestrucción que no se les intuye muy largo, y en el que bailan entre la virginidad y el virus del sida.

Gran parte del éxito de esta película, rodada en 1995, radica en el magnífico elenco de actores no profesionales que conforman el reparto encabezado por Leo Fitzpatrick, Justin Pierce y Chlöe Sevigny, que logran construir personas más que personajes, parecen ser ellos mismos, sin guiones, sin percibir la cámara, sencillamente impresionantes. El propio director, Larry Clark, afirmaba en una entrevista para la revista Preview que “…se han hecho muchísimas películas de adolescentes con actores adultos…el sólo hecho de que sean actores conocidos ya da una sensación de irrealidad…Yo no quería actores famosos, sino gente real. Si hubiera cometido el error de aceptar las presiones, contratando actores profesionales, habría obtenido otra mierda de Hollywood, preciosa y perfectamente envuelta en celofán de colores, que no hubiera servido para nada”. Esto se resume en dos palabras: cine independiente.

El mariachi: Ventajas de ser cobaya 10 julio, 2010

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Cuando vi El mariachi, el largometraje con el que Robert Rodríguez debutó en la escritura y dirección en 1992, me pregunté dos cosas: cómo con un presupuesto de 7000 dólares se puede rodar un thriller que resulte tan creíble; y cómo se puede sostener tan brillantemente un guión cuya base es una confusión. Y te haces estas preguntas sin considerar la película una obra maestra, que en relación calidad-coste, verdaderamente lo es. Aunque normalmente el espectador no se plantea cuánto cuesta la película que va a ver, bastante tiene con saber el precio de la entrada de cine, que de paso me permito la licencia de decir que es elevado si se entiende el cine como lo que es para mí, cultura, ¡qué caro es ser culto!

La cosa es que en El mariachi hay cosas más importantes que su reducido presupuesto. La película es la coincidencia hecha arte y muerte, la coincidencia en un pequeño pueblo mexicano de dos hombres que visten de negro y portan una funda de guitarra. Uno guarda el instrumento, el otro guarda un arsenal de armas y llega al pueblo a ajustar las cuentas a un traficante que le jugó una mala pasada. La confusión de los secuaces del traficante entre ambos hombres va a provocar que el pacífico músico tenga que elegir entre vivir o morir, lo que significa su vida o la de los demás. Llama la atención que el héroe no es un ex-policía o algo parecido, es un artista, si quieres saber cómo reaccionaría un artista en una situación límite El mariachi es la respuesta. La película no es más que una reflexión sobre la actitud humana hacia la supervivencia y la heroicidad en situaciones límite.

Si a este curioso guión añadimos una forma de rodar ingeniosa pero dinámica y un montaje en el que se encierra la estética del filme y da el ritmo adecuado a cada secuencia, sólo falta poner el broche contando cómo Robert Rodríguez consiguió los 7000 dólares para rodar, hizo de cobaya en laboratorios farmacéuticos. Allí además robó una silla de ruedas para rodar los travellings y conoció al que sería el protagonista de la película, Carlos Gallardo. Luego, la película ganaría numerosos galardones entre ellos el premio del público en el festival de Sundance.  ¿Saben la dirección de esos laboratorios?

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