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El secreto de sus ojos: Hay cosas que no cambian aunque pase mucho tiempo 23 abril, 2011

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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La película que añadimos esta santa semana a La videoteca poco tiene que ver con la semana religiosa en la que se enmarca el día de hoy. Hoy era un día apropiado para hablar sobre un filme de temática bíblica o religiosa, que los hay muy buenos. Pero la verdad es que no me apetece nada, quizás el próximo año, o simplemente un día que me apetezca aunque no venga a cuento.

Hoy vamos a estrenar la filmografía argentina en la colección que llevamos ya un tiempo generando, y lo hacemos con el último gran éxito del cine gaucho: El secreto de sus ojos de Juan José Campanella. Una película coproducida con España y que consiguió el Oscar a la Mejor película de habla no inglesa en la edición de 2009, así como el Goya a la mejor película hispanoamericana y un Goya a la actriz revelación para Soledad Villamil, premio producto de una estudiada estrategia de candidaturas por parte de las productoras pues la protagonista de la película no es precisamente una debutante.

La película me parece soberbia, de esas películas que tienen un sabor a premio desde el primer minuto. El filme supura cine clásico por todos lados, clasicismo con una realización contemporánea. Hay un plano secuencia de una persecución en un estadio de fútbol que no puedo borrar de mi retina y que está ya en la Historia del Cine, brillantísima obra de arte audiovisual a la altura del mejor Orson Welles. Si a la mezcla que propone la película le agregamos un interés del guión en compensar la trama del intento de resolución de un crimen brutal cometido treinta años antes al más puro estilo thriller y una historia de amor imposible de las que se han reposado a lo largo de los años pero también de las que nunca se extinguen.

Pero el director no se conforma sólo con eso sino que se rodea de un elenco artístico que está a un nivel interpretativo excelente y con una soberbia habilidad para saltar del humor característico del cine de Campanella al más intenso drama negro y romántico. Maravillosos los actores Ricardo Darín (cada vez me gusta más), Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago, Javier Godino, José Luis Gioia, Mario Alarcón, Mariano Argento y Kiko Cerone, entre otros. Además el realizador dota a su trama de rigor histórico y social y nos mete de lleno en esta trama que de manera dinámica y simpática se convierte en una fábula moral que reflexiona sobre la venganza por encima de la ley. Y en cuanto al amor, nos recuerda que hay cosas que no cambian aunque pase mucho tiempo.

Camino a la perdición: Relación entre padres e hijos 16 octubre, 2010

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Proponemos hoy para nuestra Videoteca una película premiada con el Oscar a la mejor fotografía en la edición de los premios que otorgó la Academia de Hollywood en 2003, y que para mí fue una de las grandes olvidadas de aquella edición de los Oscars que sorprendentemente ganó Chicago de Rob Marshall.

Cuando su director, Sam Mendes se hizo notar en Hollywood en 1999 y ganó el Oscar por su American Beauty contra todo pronóstico gracias a una ácida disección de la sociedad norteamericana, fueron muchos los que pensaron que era flor de un día potenciada con un golpe de suerte. Pero viendo el que fue su segundo largometraje no cabe duda de que estamos ante un director sobresaliente, un cineasta excepcional que alcanzó la madurez en la juventud, y que tiene una riqueza de recursos a las que sólo le hace falta el saber elegir muy bien los proyectos en los que se embarca.

Camino a la perdición es formalmente exquisita, ambientada en los años de la Gran Depresión plantea el conflicto que vive, un extraordinario Tom Hanks, que encarna a un gangster, que se ve obligado a elegir entre la lealtad a su jefe y a su propia familia. Un contenido trabajado, real y profundo, que se apoya en unas interpretaciones prodigiosas que lo hacen real como la vida misma. Acompañan a Hanks en el reparto Paul Newman, Jude Law, Jennifer Jason Leigh, Stanley Tucci, Daniel Craig y Ciaran Hinds entre otros. Con un pulso muy bien mesurado, Hanks va emprender junto a su hijo un camino de venganza, redención y redescubrimiento. Y como el propio título indica hacia la perdición.

Del excelente guión siempre recordaré una frase, que pronunciada por el personaje de Newman, no deja de ser una verdad universal en su fondo y que era algo así como: “Dios pone a los hijos en la Tierra para que sean la preocupación de los padres”. Sublime e imprescindible.

El infierno del odio: Un conflicto soberbio, una resolución magistral 9 octubre, 2010

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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El infierno del odio, rodada por Akira Kurosawa en 1963, va a ser la primera película asiática que añadamos a nuestra Videoteca. Esta adquisición es producto de mi reciente visionado de la película, un film que me dejó boquiabierto en sus dos partes claramente diferenciadas.

Una primera parte en la que un impresionante Toshiro Mifune, actor fetiche de Kurosawa, encarna a un empresario de la industria zapatera que ante las diferencias con la junta directiva decide invertir sus ahorros en realizar una compra de acciones para tener el control de la empresa y poder así fabricar zapatos buenos, bonitos y cómodos. Pero, justo antes de realizar el pago por la compra de acciones, recibe una llamada en la que le informan del secuestro de su hijo por cuyo rescate ha de pagar 30 millones de yenes, una cantidad que le impediría hacerse con el control de la empresa.

Hasta aquí, la resolución del conflicto, para cualquier padre de familia, sería evidente: pagar. ¿Pero qué pasaría si de repente tu hijo aparece en el salón y te das cuenta de que realmente han secuestrado por error al hijo de tu chófer? ¿Condenarías a muerte al niño con el consiguiente juicio moral por parte de la opinión pública señalándote como culpable o lo salvarías sabiendo que, habiendo estado acostumbrado a una vida opulenta, quedarías en la más absoluta ruina? Un planteamiento magistral al alcance de muy pocos y que inicia una trama impresionantemente dinámica dividida en dos partes: la negociación con el secuestrador, seguida de la investigación policial para intentar identificar y arrestar a los cómplices y al cerebro de la operación.

Cine negro del bueno de verdad agrandado con un dominio de la fotografía en blanco y negro poco menos que sobrenatural y en el que se incluyen los primeros coqueteos de Kurosawa con el uso del color, a través del coloreado de fotogramas. Dos horas y veinte minutos que se agotan en un santiamén porque Kurosawa sabe mantener la tensión del filme en todo momento, a pesar de que me resulta muchísimo más interesante, desde el punto de vista del guión, la primera parte de la película.

La investigación policial está descrita de una forma didáctica, atreviéndome a decir que casi rozando el documento, convirtiéndose en un manual de consulta imprescindible para todo aspirante a policía. A través del conflicto planteado aparecen temas tan interesantes como la avaricia empresarial, el poder, la bondad, la codicia, la envidia, la piedad, el poder de los medios o el poder de la opinión pública.

Querría finalizar señalando que la traducción literal del título original de la película sería Alto y bajo, en clara alusión a la situación espacial de la casa del señor Gondo (Mifune) con respecto al resto de la ciudad. Tampoco quería acabar sin informar de que Mike Nichols prepara actualmente un remake de este filme sobre un guión de David Mamet. De talento no carecen estas dos piezas pero, sin duda, les será difícil superar a la que es posiblemente, junto a alguna que otra joya también merecedora del título, la mejor película policial de la historia del cine universal y, seguro, del cine negro asiático. Imprescindible.

Gilda: El truco del guante negro 18 julio, 2010

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Esta semana añadimos a nuestra videoteca una película de las que realmente han hecho historia. Más concretamente, ha condicionado la evolución de la iconografía erótica en el cine americano, nos referimos a la magnífica obra maestra de Charles Vidor, Gilda, nunca olvidaremos a la maravillosa y guapa de origen español Margarita Cansino, Rita Hayworth para los amigos, interpretando este personaje, y la no menos maravillosa réplica masculina con el galán Johnny Farrel, interpretado por Glenn Ford.

Una película estructurada en forma de triángulo amoroso, cuyo centro no es otro que Gilda, constituido este personaje para siempre en icono de mujer fatal, ya lo decía ella misma en una frase en la película “si yo fuera un rancho me llamaría Tierra de nadie“. De hecho, si le preguntamos a alguien que nos diga qué secuencia de la historia del cine recuerda con más altas dosis de erotismo, un gran porcentaje se irían a la Marilyn de La tentación vive arriba de Billy Wilder, y el otro gran porcentaje a Rita Hayworth y sus flirteos desnudándose la mano, nunca jamás un guante levantó tanta expectación. Una secuencia que escapó a la censura de la Oficina Hays, en pleno esplendor en aquellos días. Pero bueno, no es de extrañar, la esposa de William Hays poco después de divorciarse dijo de su ex marido que “no distinguía entre un ombligo y el sexo femenino”. Ante tal evidencia…

Película de grandísima calidad que esconde una trama de género negro que no puede quedar fuera de nuestra videoteca.

Fuego en el cuerpo: Hace calor 26 junio, 2010

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Esta semana incorporamos a nuestra videoteca la primera película como director de Lawrence Kasdan, rodada en 1981, Fuego en el Cuerpo. El director nos entregaría años después películas como Reencuentro, El turista accidental, Te amaré hasta que te mate o Grand Canyon. La película significó el debut cinematográfico para Kathleen Turner que venía de una exitosa carrera en el teatro, y que se convirtió gracias a esta película en el ícono erótico de principios de los 80, respondiendo al arquetipo de mujer fatal. El contrapunto masculino lo ponía William Hurt actor que ha destacado como galán poco convencional y en papeles muy intimistas pero que en 1985 consiguió el Oscar como mejor actor por su papel de homosexual encarcelado por El beso de la mujer araña, largometraje con el que también consiguió el premio de la British Academy y del Festival de Cannes. Dos soberbios actores para un reparto completado por Richard Crenna, Ted Danson y Mickey Rourke, quién años más tarde, pasaría Nueve semanas y media con Kim Bassinger, para desaparecer un tiempo del estrellato reapareciendo con un Globo de Oro y una nominación al Oscar por The Wrestler de Darren Aronofsky.

El argumento responde al esquema típico de triángulo amoroso con la mujer fatal formando el ángulo más estrecho, esquema mil veces planteado en el cine negro y recuperado para esta obra maestra: un abogado de Florida, llamado Ned Racine, comienza un caluroso romance con Matty Walker. Matty es la calculadora y fría esposa de un magnate de la construcción. Matty, sabedora del poder que tienen sus encantos, va a intentar convencer a Ned para que mate a su marido.

No desvelo más de la trama de esta más que interesante película que me recuerda que últimamente hace mucho calor, las cosas del verano. Simplemente la añadimos a La Videoteca y por supuesto la recomendamos para su visionado.

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