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Combustión: Cine necesario para crear industria en el cine español 22 abril, 2013

Posted by Dioni Palacios in Cine, Festival de Málaga.
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Daniel Calparsoro es el director encargado de presentarnos este thriller mezcla de robos, atracos y carreras ilegales de coches que se presenta como la alternativa española al blockbuster americano. Precisamente a un mes justo del estreno en España de la sexta entrega de la taquillera saga A todo gas.

El resultado es una película correcta en la técnica cinematográfica con un reparto a la altura sostenido por el triángulo amoroso que forman Álex González, Adriana Ugarte y Alberto Ammann al que rodean María Castro, Marta Nieto, Luis Zahera y Christian Mulas, entre otros. El trío protagonista está excepcional, pero si tengo que elegir, me quedo con Alberto Ammann, este actor es todo un descubrimiento que le debemos a Daniel Monzón y al equipo de casting de Celda 211.

Álex Gonzalez, Adriana Ugarte y Alberto Ammann.

Álex Gonzalez, Adriana Ugarte y Alberto Ammann. Foto: Dioni Palacios

Hemos dicho que la técnica es correcta, no esperaba menos de Calparsoro uno de nuestros directores más familiarizados con el cine de acción. Pero la puesta en escena, sobretodo en las secuencias en las que transcurren las persecuciones y carreras de coches, adolece de cierto realismo de batalla. Vaya, que se nota que las limitaciones presupuestarias no admiten golpes y rozaduras en los vehículos. Mención especial para Carlos Jean y la trepidante banda sonora musical que ha elaborado para el filme, compensa otras carencias.

El guión no nos descubre nada nuevo, ni hace falta, cumple y punto. Voy a intentar ser condescendiente en esta parcela, pues ya que no exigimos excelencia en la narrativa audiovisual a los productos enlatados procedentes de Hollywood, tampoco debemos exigírsela a un producto que entiendo necesario para nuestra industria cinematográfica (si me permitís llamarla así) en un momento que debemos mimar a nuestro cine en la taquilla.

Ojalá rompa la taquilla, ojalá se produzcan en España más películas de este tipo pues son los éxitos con los que podemos financiar otro tipo de películas que nos llenan más los sentidos pero que, por desgracia, no llenan los bolsillos.

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Casting: Los actores son personas 21 abril, 2013

Posted by Dioni Palacios in Cine, Festival de Málaga.
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El cortometrajista Jorge Naranjo salta al largo con Casting, una comedia coral que transcurre en una jornada, en lo que dura un casting, prueba de selección a la que se enfrentan una multitud de actores que serán maltratados por la dirección de casting. El futuro de la vida de estos personajes está por encima de los resultados de la prueba de selección, el casting se convierte en una prueba de vida, de futuro, de porvenir, de relaciones y de amor.

Resulta curioso que los actores ceden su nombre real a sus personajes, en un claro guiño a la defensa de la profesión y de todos esos actores, todavía no célebres, que se parten la cara todos los días por conseguir un trabajo. Jorge Naranjo ha afirmado en rueda de prensa que sólo tenía claro que los protagonistas serían Javier López y Esther Rivas, mientras que el resto del reparto se ha ido completando casi espontáneamente por diversas circunstancias con Beatriz Arjona, Ruth Armas, Ken Appledorn, Nay Díaz, Marta Poveda, Carmen Mayordomo, Dani Pérez Prada, Natalia Mateo y la colaboración especial de Juanra Bonet, el presentador del programa de televisión Lo sabe, no lo sabe. El realizador confiesa que el guión se ha ido adaptando a las características de cada una de estas incorporaciones. Sin duda, todo un ejercicio de improvisación en la escritura.

Casting es una producción independiente con un presupuesto modesto. En rueda de prensa se comentaba, en tono de humor, que ‘rescatada’ por Alemania, dada la nacionalidad del productor presente en el acto, Torsten Gauger. La película no tiene grandes ambiciones más allá de entretener y lo consigue. Sus virtudes: entretenimiento y reparto. Poco más. No hay que perderse los cameos del director de cine Daniel Sánchez Arévalo y del actor Raúl Arévalo que ponen la guinda a una historia divertida.

Aunque queda mucho festival, no me extrañaría que el público pueda hacerse bastante amigo de esta película otorgándole su premio. Evidentemente, a Casting le viene muy grande la Biznaga de Oro, pero es probable que el jurado presidido por Joaquín Oristrell, un frecuentador de la comedia coral, pueda tener un pequeño detalle con esta peli que nos recuerda que los actores también son personas.

Rueda de prensa 'Casting'

Javier López, Jorge Naranjo y Esther Rivas en la rueda de prensa de presentación de ‘Casting’. Foto: Dioni Palacios

Ayer no termina nunca: Que acabe antes que ayer 20 abril, 2013

Posted by Dioni Palacios in Cine, Festival de Málaga.
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El 16º Festival de Málaga – Cine Español abre su sección oficial con la última película de una de las directoras estandarte del cine español, Isabel Coixet.

Ayer no termina nunca supone el retorno de Coixet a la ficción basándose en la obra teatral Gif y, efectivamente, la película bebe de las tablas en la puesta de escena y en el protagonismo casi absoluto de la palabra y de las interpretaciones de Javier Cámara y Candela Peña. Ambos inmensos, metidos en la piel del reencuentro de un matrimonio roto cinco años antes, en 2012. Coixet sitúa la acción en 2017 en una España inmersa en una profunda crisis con 7 millones de parados, un PIB en decadencia, millones de emigrantes y un Messi con 10 Balones de Oro… Un escenario apocalíptico no, lo siguiente… Ojalá la realidad en 2017 sea tan imposible como el décimo Balón de Oro de Messi…

Me interesa el ejercicio de imaginación futurista, me interesa el fondo más que la figura manida del reencuentro de una ex pareja con un pasado atormentado. No sé por qué, me he pasado partes de la película pensando en el título, si ‘Ayer no termina nunca’ espero que al menos acabe el día de hoy. ¿Por qué? Porque el cine de Coixet se disuelve con el protagonismo de la palabra. El fracaso se ve edulcorado por una buena fotografía fría que luce muy bien en una ambientación minimalista y, como dije antes, por dos actores en estado de gracia.

Una decepción, pues me declaro un fiel admirador de la realizadora catalana. Ya hablé en este blog de una de sus películas que, además, es una de mis películas de cabecera: Mi vida sin mí. Pero hoy, he deseado que el día acabara antes que ayer.

Candela Peña e Isabel Coixet

Candela Peña e Isabel Coixet durante la rueda de prensa tras el pase de ‘Ayer no termina nunca’ – Foto: Dioni Palacios

Programación 16º Festival de Cine Español de Málaga 8 abril, 2013

Posted by Dioni Palacios in Cine, Festival de Málaga.
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Hoy se ha presentado la programación de la que será la 16ª edición del Festival de Cine Español de Málaga. A partir de mañana se podrán adquirir las entradas para las proyecciones de todas las secciones. Ya está disponible la programación completa en la web del Festival.

No obstante, os adelanto los contenidos de la Sección Oficial y de ZonaZine que serán las secciones sobre las que informaremos en este blog (si nos lo permite la organización) como hicimos en las dos ediciones anteriores. En ambas, nos encontramos con grandes nombres de la dirección como Isabel coixet, Gracia Querejeta, Javier Fesser o Mariano Barroso.

Sección Oficial a Concurso

  • Ayer no termina nunca de Isabel Coixet (inauguración).
  • Casting de Jorge Naranjo.
  • Combustión de Daniel Calparsoro.
  • Diamantes negros de Miguel Alcantud.
  • Hijo de Caín de Jesús Monllaó Plana.
  • Somos gente honrada de Alejandro Marzoa.
  • Inevitable de Jorge Algora.
  • Stockholm de Rodrigo Sorogoyen.
  • 15 años y un día de Gracia Querejeta.
  • Sola contigo de Alberto Lecchi.
  • La mula. Controvertido film sin director, por desacuerdos entre el “No director” Michael Radford y la productora.
  • Todas las mujeres de Mariano Barroso (fuera de concurso).
  • El amor no es lo que era de Gabriel Ochoa (clausura).

Sección ZonaZine

  • El efecto K. El montador de Stalin  de Valentí Figueres Jorge.
  • Esto no es una cita de Guillermo Fernández Groizard.
  • Frontera de Manuel Pérez.
  • Ilusión de Daniel Castro.
  • Viral de Lucas Figueroa.
  • Al final todos mueren de Javier Fesser, Pablo Vara, Javier Botet, Roberto Pérez Toledo y David Galán Galindo.

La escafandra y la mariposa: Encerrado en uno mismo 6 abril, 2013

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca, Vida.
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El polifacético artista plástico neoyorquino Julian Schnabel firmó en 2007 una de las películas que más me ha impactado en los últimos años. La escafandra y la mariposa es la adaptación al cine de la novela homónima de Jean Dominique Bauby, redactor jefe de la revista Elle hasta que un accidente de coche lo dejara totalmente inmóvil, sólo podía mover los párpados de un ojo. Bauby lograría escribir la novela gracias a que aprendió a comunicarse mediante este único ojo con una enfermera que transcribió letra a letra lo que Bauby le dictaba.

La película es impactante en sí misma porque narra una historia real que me provoca una increíble admiración, e incluso identificación. Salvando las distancias, por desgracia conozco bien los problemas de comunicación que provocan los daños cerebrales, precisamente cuando vi la película estaba en proceso de aceptar y comenzar a construir una nueva relación con mi madre, víctima de un derrame cerebral que mermó completamente su capacidad de hablar, aunque no de comunicar. En cierta manera, veía en el personaje de Mathieu Amalric, en el Dominique Bauby real, a un calco exageradísimo de cómo se puede sentir mi madre, y de cómo me sentía yo cuando aprendía a posibilitar la comunicación con ella, al menos entre nosotros. La sensación era de impotencia total. Hoy nuestra relación de comunicación es bastante fluida, la aceptación y el empeño por comunicarte elimina las barreras, desde luego, no sin mucho trabajo, y mucha voluntad.

Fue una película multipremiada: ganadora de 2 Globos de Oro (película y director), del BAFTA al mejor guión adaptado y merecedora de 4 nominaciones al Oscar (director, guión adaptado, fotografía y montaje). La película también significó la Palma de Oro del Festival de Cannes al mejor director para Julian Schnabel que tiene un sobresaliente manejo de un reparto que está muy a la altura de las circunstancias con intérpretes como Emmanuelle Seigner, Marie-Josée Croze, Anne Consigny, Patrick Chesnais, Niels Arestrup o Max von Sydow. La apabullante forma que tiene el pintor cineasta de narrar esta historia es lo que la convierte en una de las mejores películas de lo que va de siglo. Y te anima a pensar que es posible  que, en un severo encierro interior, una mariposa encuentre una rendija por la que escapar de la oxidada escafandra que la encierra.

Masacre: ven y mira. Una butaca con vistas al horror 22 marzo, 2013

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Resulta curioso que una película encargada por un gobierno totalitario, como fue el de la URSS, sea uno de los relatos más realistas y sobrecogedores sobre la ocupación nazi. Esa película es Masacre: ven y mira, adjudicada a la dirección de Elem Klimov para conmemorar en 1985 el 40 aniversario de la derrota nazi en la Segunda Guerra Mundial.

Klimov, coautor también del guión, centra su obra conmemorativa en la visión y la experiencia que tiene un niño ante el asolamiento y represión que aplicaron las tropas nazis sobre las aldeas bielorrusas. Exterminación pura y dura, donde la prioridad es matar a los niños y jóvenes, porque constituían los enemigos del mañana. Espeluznante.

Bajo una realización al servicio de la mirada del niño protagonista y una asfixiante y cuidada dirección de fotografía, la película cumple con su invitación presente en el título original Idi i Smotri, ven y mira. Ven y mira el horror, te siento en la butaca y te invito. Siéntate en una butaca con vistas al horror, pero te voy a implicar, no va a ser gratis. Y creed que lo consigue, y lo consigue generando odio al nazismo pero, muy por encima, logra que pensemos más en decir “pobre chaval” que “menudo cabronazo el Hitler ese”.

Fue la última de las cinco películas que dirigió Klimov, los conocidos cambios políticos alejaron de la cámara cinematográfica al que en 1986 fue elegido por sus camaradas realizadores primer secretario de la renovada Unión de Cineastas Soviéticos. Su secretariado posibilitó el lanzamiento tardío de cientos de películas anteriormente prohibidas y la restitución de varios directores que habían caído en desgracia política.

Pero los cambios le dejaron fuera del sistema de producción ruso. En el año 2000, tres años antes de su muerte, declaró resignado: “He perdido el interés en hacer películas. Todo lo que era posible que yo sintiera, ya lo he sentido”. Seguramente acababa de visionar su Masacre: ven y mira.

Volver a empezar: El primer Oscar para España por película de habla no inglesa 22 febrero, 2013

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Es de justicia añadir a esta Videoteca la primera película española que consiguió el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. El autor de dicho hito en 1982 fue José Luis Garci con su Volver a empezar (Begin the beguine). Una historia que habla del desarraigo que provocó la Guerra Civil Española, como manifiesta el propio director en la dedicatoria final “a la generación interrumpida” de jóvenes españoles de los años 30. Con esta excusa el realizador madrileño nos presenta al que fuera Chanquete, Antonio Ferrandis, interpretando a un emigrante asturiano que rehizo su vida en Estados Unidos compaginando su faceta de escritor con la de profesor de literatura medieval en la Universidad de Berkeley y que retorna de visita relámpago a Gijón tras haber logrado el premio Nobel de Literatura.

Durante este retorno se reencontrará con sus viejos amigos del Sporting de Gijón, donde jugaba antes de abandonar Asturias en 1938 (cameo de Antonio Maceda incluido). Pero el reencuentro fundamental de la trama es con su amor de juventud, Elena (Encarna Paso), lo que ahondará aún más en el tono melancólico y romántico que ya de por sí tiene la película a la que acompaña y ayuda en esa profunda tristeza el Canon en re mayor del compositor alemán del siglo XVII, Johann Pachelbel. Tema musical que hemos escuchado en muchísimas bodas y eso es lo que parece querer Garci, casarlos a la vejez. Los personajes han estado toda la vida casados por razones sentimentales y separados por la experiencia vital.

La discusión para la película llega en su enorme pedantería, Garci elige hablar de generación rota desde el punto de vista del que triunfó en la vida y se supo sobreponer al desarraigo. El daño moral que ha sufrido el personaje por dejar su tierra es sólo el amoroso. Todo lo demás le ha ido de perlas, vaya que si se llega a quedar en España no hubiera escrito ni una línea este intrépido ganador del Nobel. Hasta parece decirnos que sólo a uno le compensa rehacer  su vida si gana premios internacionales o es alguien importante. Aún así, la película se sostiene. Gran parte del mérito lo tienen los actores. Mucho me gustaron José Bódalo, amigo al que el protagonista en una secuencia magistral le revela el secreto de su visita, y Agustín González ese secundario de lujo que pone la parte cómica dando vida al propietario del hotel en el que se hospeda Ferrandis.

El bochornoso e  increíble peloteo a la Corona en una secuencia en la que el Rey Juan Carlos I felicita vía teléfono al escritor por su Nobel; algunos gags fuera de lugar; y algunos fallos en la credibilidad de las situaciones, por ejemplo que en el hotel no hay un sólo huésped aparte del protagonista. Son algunos de los detalles que la convierten en una película discutible y que no envejece bien. No obstante, debe estar aquí y os animo a verla porque es historia de nuestro cine.

Caravaggio: Cruzando la visión historiográfica sobre el artista con el personaje en la película de Derek Jarman 10 febrero, 2013

Posted by Dioni Palacios in Arte, Cine.
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“Todo el arte está en contra de la experiencia vivida. ¿Cómo puedes comparar carne y huesos con aceite y pigmento molido?”.

Así expresa su opinión sobre el arte el personaje de Caravaggio construido en la película que dirigió Derek Jarman sobre el pintor lombardo en 1985 y que le valió el Oso de Plata al Logro individual sobresaliente (por su configuración visual) del Festival de Berlín. Connota esta declaración un autoconcepto del artista como tal, una brecha conceptual entre vida y arte que le otorga ese halo de ser especial, un ser artístico. Aunque estas palabras no dejan de ser una interpretación de una realidad lejana, simples líneas de un guión cinematográfico, que imponen una opinión y un punto de vista sobre el personaje histórico tratado.

Podríamos decir de Caravaggio algo que nos resultará muy familiar: no fue profeta en su tierra, al menos para los que escribieron sobre él, en lo que tuvo mucho que ver el agrio carácter que se le adjudica; sin embargo, queda la herencia no escrita de su reconocido prestigio por ciertos sectores de la alta sociedad; y la creación de los artistas italianos y europeos para los que su obra fue un referente.

No es hasta el siglo XIX, cuando se comienza a valorar a Caravaggio, al menos se le comienza a considerar un referente revolucionario, un carácter contracorriente. Un hombre que reivindicaba su forma, distinta, de entender la pintura, aunque paradójicamente en este siglo no se hicieran apenas referencias a su obra, sólo a sus valores.

El concepto actual de Caravaggio se ha ido fraguando a lo largo del siglo XX, donde se le comienza considerando un agente anticipador de la modernidad, incluso un precursor del fotograma cinematográfico, un hiperrealista recreador de la realidad, un minimalista cazador del instante. Estos conceptos despiertan una ola de interés en el artista que se mantendrá hasta la actualidad, se recupera su obra, se expone y se le contextualiza. Hasta el punto que Caravaggio se convierte en un icono, estandarte de la disidencia, de la homosexualidad, de la diferencia, un simbolista.

La figura de Michelangelo Merisi, como humano y como artista, ha sufrido a lo largo de la historia una evolución en su interpretación: ha sido calificado desde el más absoluto de los rechazos, hasta el más integrador reconocimiento artístico, pasando por la indiferencia ante su obra. Esta es la riqueza que confiere el pensamiento humano, la diversidad de opinión; todo depende del color del cristal con el que se mire. Exactamente nadie posee toda la verdad sobre Caravaggio, ni sobre otro artista, ni sobre nada que se aleje de lo empírico.

Culmino esta reflexión con la pregunta que nos hacía Jarman a través del propio Caravaggio de ficción: “¿Cómo puedes comparar carne y huesos con aceite y pigmento molido?”

“Todo el arte está en contra de la experiencia vivida.”

Amarcord: Recuerdos de la vida rural 19 enero, 2013

Posted by Dioni Palacios in Cine, La Videoteca.
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Federico Fellini, antes de convertirse en uno de los estandartes del neorrealismo italiano y en uno de los directores de cine más reconocidos y recordados de la historia del séptimo arte, fue un hombre de pueblo, más bien un niño y joven rural, señalado por el hecho de haber nacido y haberse criado en una pequeña población de la Italia fascista en los años 30. Amarcord (traducido Mis recuerdos) hubiera sido una película improbable de no haber sido por las propias vivencias del realizador italiano en la localidad de Rimini, sobre la que se inspira para ambientar su película en la imaginaria ciudad de Borgo.

Fellini recuerda y revisita de forma autobiográfica su infancia y adolescencia con esta película rodada en 1973. De hecho su yo cinematográfico se puede identificar con el niño Titta, interpretado por Bruno Zanin. Amarcord es un sorbo cómico de lo que es la vida rural en la que aparecen algunos personajes arquetípicos de pueblo (y también de ciudad) de los que no hablaremos para no desmenuzar el perfil por el que se nos presentan los personajes que teje un Fellini que mantiene sus obsesiones siempre presentes, entre ellas, el sexo.

Personalmente me sugiere un retrato bastante fiel de lo que es la sociedad italiana rural. Hace un par de veranos visité Sicilia y las costumbres que aparecen en la película perviven en la actualidad. Por ejemplo, las esquelas se siguen publicando en carteles que se pegan en las esquinas más visitadas del pueblo. El humor en la película es bastante importante, el ingrediente imprescindible para mirar al pasado con una ironía mordaz que roza el esperpento, de hecho entre los intérpretes que encarnan a los amigos de la infancia de Fellini se encuentra Alvaro Vitali que se convertiría, años después, en el eterno niño grande Pierino, más conocido en España como Jaimito. Un mito de la comedia italiana que convivió con el destape español.

La película obtuvo reconocimiento internacional con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa y las nominaciones al mejor director y mejor guión original en 1975. Por ello, y por el buen rato que te hace pasar, aunque quizás peque de excesivo metraje, merece estar en nuestra Videoteca.

Somos los santos inocentes 28 diciembre, 2012

Posted by Dioni Palacios in Opinión, Política, Sociedad.
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Más del 25% de desempleo; personas que pierden sus casas y mantienen la deuda con el banco; privatización de la sanidad que garantiza la viabilidad de la sanidad pública (curiosa paradoja); ex jugadores de balonmano cuya pena es no salir en la foto de la familia real para no perjudicar su imagen; huelguistas encarcelados y tratados como disidentes; señoras que ‘restauran’ obras de arte y como premio presentan Galas de Nochevieja en televisión; impuestos que suben porque podemos pagarlos; ministros de educación que españolizan a españoles; diputados que juegan a ‘Apalabrados’ mientras se aprueba el recorte y privatización del sistema sanitario; gobiernos autonómicos que nombran consejeros de Asuntos Exteriores; investigadores tratados como I+D+iotas; diputadas que gritan en el Congreso que nos jodamos; jóvenes cualificados que se van al extranjero porque son aventureros…

NO, esto no es una serie de inocentadas… Son algunas de las cosas que nos convierten en LOS SANTOS INOCENTES…

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